na Vitrine

Os Fidalgos da Casa Mourisca

2010-08-24T20:15:00.000-07:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Esse post na verdade é uma resenha que eu tive que escrever sobre um dos livros do semestre de Romantismo Português. Não é exatamente uma recomendação, apesar de eu ter gostado do livro, mas mais uma análise feita a partir das teorias que estudamos na matéria.

Eu só vou colocar mesmo porque tem muito tempo que não publico nada xD

Não leiam se não quiserem. Nem vai ter figuras, porque eu não achei uma imagem decente relacionada no google.

Os Fidalgos da Casa Mourisca, escrito por Julio Diniz e publicado no ano de 1871 em Portugal, é categorizada como uma obra do romantismo luso, de grande importância para a literatura do país da península ibérica.

Mas em um plano mais político e social, esse livro possui vivo destaque. Com astúcia, qualidade descritiva, enredo interessante, personagens bem desenvolvidos e cenário palpável, o autor preconiza suas visões favoráveis ao liberalismo, a doutrina emergente e revolucionária da Europa do séc. XIX e deliberadamente critica a decadente aristocracia.

A história é narrada de maneira bela e sem linguagem rebuscada, mas ao mesmo tempo, exigindo do leitor vocabulário e interpretação de texto consistentes.

Em uma aldeia portuguesa, uma família fidalga se refugia por anos do fim do absolutismo, em uma mansão conhecida na região como Casa Mourisca.

O senhor da moradia é Dom Luis, nobre orgulhoso, exausto com a tristeza trazida pelos anos. Seu sofrimento maior encontra-se na perda da filha mais jovem, a pura e delicada Beatriz, falecida por doença na adolescência.

O lar reflete perfeitamente seu espírito conturbado. A propriedade nada produz, dependendo de recorrentes dívidas e hipotecas para, fragilmente, se sustentar. A responsabilidade das economias da casa recaem sobre o péssimo administrador, Padre Januário, morador por conveniência do local.

O protagonista do romance figura-se em Jorge, rapaz belo, maduro, de caráter admirável, estudioso e portador de profunda seriedade. É o filho mais velho de Dom Luis, e que ao observar a prosperidade das propriedades vizinhas, em grande contraste com a sua, prontifica-se a regularizar a situação, tornando-se o novo administrador econômico. Uma atitude como essa o rebaixa diante da nobreza, pois o trabalho é visto como função do homem comum, plebeu. A ajuda financeira para tal empreitada é fornecida por Tomé, um agricultor abastado, mas de origem humilde (outrora serviçal da própria Casa Mourisca) e que com esforço evoluiu.

Dentre outras figuras importantes do livro, estão Maurício, o irmão mais novo de Jorge, Berta, a filha de Tomé e Gabriela, a prima viúva da família fidalga.

Maurício é um jovem leviano e volúvel, facilmente impressionável. Diferente do irmão, ele possui hábitos supérfluos mas não é mau caráter. Berta espelha a imagem viva de Beatriz. Graças às condições financeiras do pai, cresceu educada em Lisboa, aprendendo a se portar como uma nobre, mas permanecendo humilde, gentil, delicada e pueril. Já Gabriela é uma mulher experiente da sociedade urbana. Sagaz, intuitiva e atenta, ela busca o melhor para sua família e para si.

Na obra em si, não há uma personagem antagonista principal, entrando em choque direto com Jorge e seus interesses. Há, no entanto, imagens antagônicas que podem ser identificadas. Os primos fidalgos do Cruzeiro, influenciando negativamente Maurício, estão entre essas imagens.

Por isso, todos os conflitos do livro, no fim, resolucionam-se através da argumentação e do diálogo, sem necessitar de batalhas dramáticas, mortes ou fugas.

Jorge e Berta, ao perceberem-se apaixonados, e sendo de classes diferentes, decidem reprimir tal sentimento e escondê-los de seus familiares. Dom Luis, com a força de sua teimosia e orgulho, abandona a Casa Mourisca ao descobrir sobre o empréstimo de Tomé. Esses dois arcos da história tornam-se as principais questões, aparentemente sem solução.

Ao final, uma redenção por parte de Dom Luis ocorre. Seu carinho por Berta, a qual o lembra muito Beatriz, o faz reconhecer que a nobreza não corre no sangue, e sim no espírito de uma pessoa. O casamento é celebrado e Jorge reconstrói, através do trabalho e com dedicação, a propriedade de sua família.

Na verdade, a narrativa toda de Fidalgos da Casa Mourisca é somente um pretexto para o embate entre as filosofias liberais e absolutistas, com a vitória óbvia do liberalismo. O narrador nos manipula a todo momento, através da metalinguagem e de palavras tendenciosas para que sintamos empatia pelos virtuosos Jorge e Berta, torcendo pela sua união e felicidade. Também procura incitar nossa rejeição pela nobreza, afundando-os em vícios e atitudes condenáveis tais como ócio e o jogo.

Gabriela é uma fidalga, mas partidária do liberalismo. Como suas ideias tendem para este lado, as suas ações minuciosamente premeditadas colaboram fortemente para o final harmonioso da obra. Gabriela é em realidade, o instrumento do narrador para o triunfo daquilo que ele considera o “bem”.

Os princípios liberais são exaltados a todo momento. Em uma cena memorável, o escritor português Almeida Garret, falecido alguns anos antes da publicação do livro, é citado entre um círculo de fidalgos decadentes. Pelas visões convergentes com a do próprio narrador, Garret é duramente criticado. Essa cena transborda ironia, provocando também verossimilhança. É como se o autor quissesse que seus personagens mais desprezíveis demonstrassem rancor por seu próprio criador.

Já Jorge, sofre a mais ilustre metarmofose. O labor é sua maior companhia, a concentração e o investimento de capital, seus aliados. A leitura de filósfos iluministas é seu guia. As conquistas de suas aspirações tornam-se para os leitores, inevitáveis.

Na última página do romance, Jorge é intencionalmente classificado como um burguês, um homem respeitado por todos e visto como um exemplo a ser seguido. As últimas linhas até retomam uma citação do início do livro, que mencionava tesouros dos mouros possivelmente escondidos debaixo do solo da casa. Esse tesouro transforma-se então em uma metáfora, desenterrada pelas mãos calejadas mas robustas de Jorge.

Mas grande vitória para o liberalismo, na obra, não está na transformação de um jovem nobre em um burguês competente, e sim na submissão de um ancião absolutista à “sublime” filosofia. Sem a quebra do caráter considerado reacionário de Dom Luís, incitada pelo carinho paradoxal dele por Berta (uma dama sem sangue azul), a mensagem de Júlio Diniz estaria incompleta. Não haveria êxito para o narrador se os amantes tivessem de fugir para realizar sua união ou se Dom Luís morresse antes de abençoar as ações burguesas do filho e o casamento entre as diferentes classes. Nesse ponto, o extremo é essencial: ou o liberalismo domina por completo, trazendo promessas de ventura, felicidade e prosperidade, ou não.

Porém, para atrair o público e espalhar suas ideologias, o autor necessitou escrever seu livro dentro dos padrões vigentes da literatura de seu tempo. Assim, Fidalgos da Casa Mourisca possui elementos distintos do romantismo português, tais como: exaltação da natureza e utilização desta para descrição de sentimentos basicamente egocêntricos como melancolia e nostalgia, idealização da mulher como ser virgem e pueril, dramaticidade nas ações e diálogos e indicações de sentimento nacionalista.

Inclusive, o Patético de Schiller encontra-se profundamente presente na narração. Sendo esse Patético considerado a repressão da emoção através da razão, o ímpeto de não revelar a ninguém, não importando o esforço, o que se passa no interior sentimental da personagem, Jorge e Berta encaixam-se perfeitamente no perfil.

Ele, ao perceber o início de amor que o simples pensamento nela lhe causava, passou a evitá-la ao máximo, concentrando-se em estudos, viagens ou qualquer outra coisa. Seu físico quase não aguentou, ficando em determinado ponto da obra, doente. Já Berta, ao percebe-se apaixonada por Jorge e sem compreender a frieza dele para com ela, aceita um pedido de casamento de outro homem, que mal conhecia. Depois, mesmo sabendo da reciprocidade que possuíam, os dois decidem que ela deve seguir com o casamento, pois acreditavam suas famílias jamais poderiam conceder o matrimônio.

Outra importante característica romântica de Jorge é o seu perfil de herói problemático. Um herói insatisfeito com o ambiente à sua volta, que sai em uma busca degradada, mas degradada de acordo com os valores vigentes. Uma empreitada burguesa em um ambiente nobre, como já visto, com certeza é considerado um ato de rebaixamento.

Por fim, é preciso lembrar que Fidalgos da Casa Mourisca foi escrito em uma época em que Portugal ainda em encontrava-se em uma transição socio-econômica. Para não insatisfazer parte do público leitor, inserido nessa transição, Júlio Diniz lapidou seu principal par romântico, procurando torná-lo verossímil e nivelado. Jorge é o nobre aburguesado. Berta é a burguesa com educação nobre. Sem esses elementos, o romance perderia boa parte de sua calculada e complexa confecção.

Bastardos Inglórios

2010-07-24T22:56:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

(Contém spoilers)

Ok, com muito, muito atraso, vamos falar de Bastardos Inglórios. Para muitos a obra prima do diretor. Eu mesmo posso dizer que preferi à Kill Bill. Nem vi o segundo, mas só pelo ‘clima’ já deduzo o resultado. Mas vou tentar ser relevante, justamente trazendo o olhar de um não-adorador-de-Tarantino que sinceramente apreciou Bastardos Inglórios. Então vou tentar não dar uma de esperto.

Vamos direto pros personagens. Primeiro personagem fundamental: os diálogos. Juro que li pela internet gente falando que ‘os diálogos são muito compridos’ e que em cinema ‘mostrar vale mais que contar’. Pessoalmente, não concordo. Cinema é uma linguagem e se manifesta de qualquer jeito. Pra mim o Tarantino foi muito feliz em toda e qualquer palavra que aparece nesse filme. As redundâncias do filme – encenações de eventos anteriormente narrados – não me pareceram desnecessárias, tendo em vista o clima de tensão da narrativa. Sem esses pontos de apoio talvez o espectador não se sentisse confortável com o ritmo dos acontecimentos. E, sabe, no fim isso é uma questão muito mais estilística do que de qualidade. O Tarantino não ‘errou’ na dose do blábláblá: ele QUIS colocar o blábláblá ali. É diferente. Pra mim funcionou muito bem.

Próximas personagens fundamentais: a vingança e a violência. Confesso que não tenho estômago para isso (simples como 1 + 1 = 2). Mas ocorre no mesmo sentido: o Tarantino QUIS aquela violência ali, daquele jeito. Tem gente que gosta, eu acho desnecessária. De qualquer forma, me pareceu muito mais controlada e eficiente que em Kill Bill. Quer dizer, há uma justificativa muito mais convincente, sem com isso abrir mão do exagero e da banalização. E afinal, é um filme basicamente sobre vingança – a vingança natural contra um asco infundado (a história do rato), a vingança contra os alemães e, no final, uma vingança contra a própria história. Também já li pessoas dando a entender que a obra do Tarantino se trata de um ‘elogio à vingança’. Não sei se concordo. Não vejo Bastardos Inglórios como um filme que defende qualquer tipo de ideal do tipo ‘ah, os alemães mereceram mesmo’. Pra mim não é sobre isso. Pra mim é muito mais raso. Vingança é vingança, violência é violência. A diferença do lado A pro lado B é apenas circunstancial.

Não acho que seja um filme sobre a banalização da vingança. Também não vejo como um filme que a condena. É apenas um retrato, a vingança enquanto atividade humana. Nenhuma outra estrutura. Cara, eu sou super moralista. Adoro ver moral em tudo. Mas acho que a amoralidade do Tarantino tem seu valor. Leva a um nível de abstração necessário.

Agora, a vingança do diretor na hora que o Hitler morre! Meu Deus, isso foi sen-sa-cio-nal. Pra mim foi algo do tipo ‘Vou me vingar contra o sistema porque ele nos empurra goela abaixo que a gente tem que ter pena dos judeus e crucificar o Hitler. Vou me vingar criando um universo paralelo em que os judeus é que são os filhos da puta!’. Gênio. Aqui não consigo deixar meu lado moralista de lado. Pra mim é óbvio que a morte do Hitler significa ‘Injustiça é injustiça, não importa o lado e, portanto, as justificativas’. Mas é claro que o filme não é sobre isso. Esse é um clichê que está lá de adorno, assim como os estereótipos das personagens: é só pra lidar melhor com o público.

E eu acho que era basicamente isso o que eu queria comentar. O Tarantino é diferente porque ele consegue, através dos seus exageros e idiossincrasias, construir algo que não está na esfera do ‘certo e errado’ ou na edificação do caráter, sem ter também que apelar pra uma estrutura anti-heroína, de quebra de paradigmas, etc. É tudo sobre ser virtuosíssimo (em termos de narrativa e de técnica), envolvente e raso. Eu acho isso incrível e extremamente relevante. Não é uma questão de ‘apenas estar se referindo a outras obras’, como dizem alguns. Não, o Tarantino conseguiu espremer novidades de dentro da cultura pop. Merece todo o reconhecimento que ele tem.

Só continuo achando que os elementos compositivos dele não são aqueles que me agradam mais.

Dude, we are Lost

2010-05-28T19:47:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Não quero deixar de falar de Lost, apesar de já ter passado a minha vida falando que esse seriado não presta. Eu sei que ia ficar mais bonito para o meu lado se eu simplesmente encolhesse o rabo e fingisse que não é comigo. Mas enfim, vivemos numa democracia e eu vou fazer uso da minha liberdade de expressão pra ser chato mesmo. Falei.

Acontece que eu também fiquei impressionado com Lost naquela longínqua primeira temporada. É um seriado impressionante mesmo, não vou negar. Mas aí foi ficando chato, chato, até que lá pela quinta temporada (eu = lerdo) percebi que não dava mais e larguei. Na sexta, só faltava mais uma temporada para o fim e decidi que eu poderia dar uma chance, afinal não tinha perdido tanta coisa assim.

E aí, mesmo sem grandes expectativas, ainda assim consegui me decepcionar com o final. E foi uma puta decepção.

Pra mim, Lost tem três problemas principais:

1. Personagens chatos. Ok, isso é completamente pessoal. É só porque é impressionante como era só eu começar a gostar de alguém pra ele morrer, sumir, ficar chato... Por outro lado, tive que aturar o INSUPORTÁVEL do Jack por 6 longas temporadas.

2. Texto impressionante, como eu já disse. Impressionante no sentido de contar com inúmeras técnicas de narrativa pra te prender: muito mistério, muito suspense, muita trama emaranhada, muito personagem... e aí de repente você percebe que isso tudo só serve pra desviar sua atenção do fato principal: Lost não tem nada de mais. É uma narrativa muito dinâmica, mas simplesmente para te fazer de bobo. Não gosto que me tratem assim. Simplesmente.

3. Cientificismo barato e fajuto. Usar eletromagnetismo como simbologia para fenômenos inexplicáveis morreu no século IX. Energia “aparece” e “some” na presença de campos eletromagnéticos, mas hoje já se conhece equações de Maxwell e vetor de Poynting, e aquilo o que parecia bruxaria no passado é muito bem compreendido hoje. Aliás, tem muito físico que diz que o eletromagnetismo é o modelo mais coerente da física moderna. Fora que me inventam um físico que estuda ratos para justificar viagem no tempo. Sério. Nem sou contra avacalhar a ciência pra criar ficção científica, não. Coloquem barulhos no espaço, viagem ao centro de buracos negros, mas, pelo amor de Deus, não usem superstições do passado e estereótipos canhestros porque isso é piegas demais.

Mas aí, ok, você abstrai isso tudo e enfrenta a última temporada para encontrar um final mais sem história do que nunca.

[SPOILER]

A única explicação que se preocupam em te dar é que o Jack morreu e está numa espécie de “realidade paralela”, se preparando para “seguir seu caminho”. Ah vá! Esse spoiler já rolava desde a 2ª temporada! Tudo bem, antes acreditava-se que a ilha seria o purgatório, etc. Mas a impressão que dá é que o spoiler estava certo e os autores resolveram dar uma pequena acochambrada no final, para não serem tão óbvios. Aí, pra escapar da obviedade, colocam o Jack-espírito numa capela em busca de uma luz no final do corredor conversando com o pai morto chamado Christian Shephard! U-A-U. Mas não sem antes apelar forte para o emocional do espectador juntando meigamente todos os casais no além. E olha, eu sou super manteiga derretida. Choro fácil com essas coisas (e confesso que chorei com Claire e Charlie). Mas depois do final eu só lembro de mim pensando: “que merda, me fizeram de bobo de novo!”. Enfim.

[/SPOILER]

Em busca de algum conforto, fui procurar na internet UMA CRÍTICA QUE SEJA falando mal desse final horroroso e só achei pessoas emocionadíssimas, falando de como Lost é sobre fé e esperança. E que a ilha não é importante: o importante são as relações humanas, etc. Olha, pode até ser. Até concordo, em certo ponto, com isso. Mas isso só me mostrou como esse final desviou completamente a atenção dos espectadores daquilo que Lost tem de melhor. E, se prepare, leitor, porque no próximo parágrafo eu vou começar a falar bem de Lost. Guarde esse momento porque não deve acontecer de novo.

Na minha opinião, Lost conseguiu um feito impressionante: ele conseguiu mostrar, da forma mais didática que eu já presenciei, como o ser humano consegue ser babaca! Sem sarcasmo, juro. Você pensa em todas aquelas mortes, todas aquelas situações, todas as mentiras, as vinganças, as traições, e pensa: pra que? Qual o propósito de tanto sofrimento? Busca da sobrevivência? Não, isso só era o objetivo principal nas primeiras temporadas. Truques do destino? Não, não teve destino agindo. Quem agiu durante o seriado inteiro foram os próprios personagens. Se você pensar bem, a maioria daquelas criaturas conseguiu de forma magistral foder a própria vida de um tanto, mas de um tanto! Todo mundo pagando de espertalhão, agindo baseado em crendices infantis, acreditando em um propósito maior. E olha só: não tem propósito maior. Sério, isso é genial. É exatamente o que as sociedades têm feito aqui no mundo real: se digladiarem sem motivo. Lost é uma rede de intrigas que poderiam simplesmente não existir. Não soa familiar?

Aliás, a inversão de valores, tão característica do mundo em que vivemos, marcou presença constante no seriado. Olha a história do Jacob e do irmão. O irmão dele simplesmente teve a coragem de olhar para mãe-adotiva-assassina e falar: “eu não acredito em você. Tchau”. E aí isso faz dele um monstro! Enquanto o Jacob vira um herói por não ter feito absolutamente nada.

Você vê relações de poder abusivas. Você vê arrogância para justificar ignorância. Você vê extremismos de cunho científico e religioso. Você vê individualismo exacerbado. O que, dos defeitos da nossa civilização, não está representado em Lost?

Tem gente que deve estar pensando que eu não gostei do final de Lost porque eu não gosto de final feliz. A questão é, será que aquele final, só porque foi bonitinho, foi realmente um final feliz?

The Imaginarium of Doctor Parnassus

2009-08-09T12:04:00.000-07:00

- - - de Renata_, para o na Vitrine.

@ Yahoo! Video

Esse filme teve seu roteiro original alterado depois do falecimento de seu ator principal, Heath Ledger. Para que a produção continuasse, três atores foram especialmente convidados para substituí-lo: Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrel. O diretor é Terry Gilliam, o mesmo de Monty Phyton.

Heath, Johnny, Jude e Colin interpretam Tony, um membro da companhia de teatro do Dr. Parnassus. Tony tem de salvar Valentina, a filha do doutor, do demônio com quem Parnassus fez um acordo séculos atrás.

Sem data de estréia no Brasil. Mas em outubro no Reino Unido. Provavelmente nas férias aqui...

Comentário feliz: parece ser tãooooo legaaaaal! *.*

Harry Potter and The Half Blood Prince

2009-07-15T21:43:00.000-07:00

- - - de Renata_, para o na Vitrine.

Harry Potter and The Half Blood Prince. Um filme de esforços. Um bom filme, bem feito, com linguagem rica e bela. Mas definitivamente, abarrotado de esforços.

Esforço número 1: fazer da personagem Gina Weasley uma garota bonita, interessante, notável, sexy, divertida, etc. Ela aparecia em qualquer cena possível de se aparecer, fazendo comentários espirituosos, colocando moral na galera do quadribol, sendo a primeira a perceber a presença de Harry na toca, amarrando cardarços alheios (lição para as solteiras de plantão: mostre-se disposta abaixar-se aos pés do homem que você ama), fazendo uma brincadeira sensual de esconde-esconde em um salão escuro e por aí vai. Aliás, foi um esforço tão óbvio que criaram uma cena especial de Natal, onde a toca é destruída por dois comensais desocupados, só para ela e Harry fortaleceram seu laço de amor eterno, um tentado salvar o outro.

Esforço número 2: Como o livro não possue tantas cenas de ação, e sim mais diálogo, para manter a atenção do pública viva, HBP tornou-se o filme mais engraçado até agora. Onde era possível inserir uma piada, eles nao hesitavam. O que não é necessariamente uma coisa ruim, porque as piadas possuiam certa qualidade e os atores as desenvolveram bem. Oh, well.

Esforço número 3: Manter Harry e Draco nos arcos principais da história. Foi na verdade, um filme sobre os dois, cada um com seu sofrimento e problemas. Hermione só aparecia para chorar, Ron só aparecia, para ahm, ser o Ron. Draco por sua vez, se arrastava pelos cantos do castelo, a mente em turbilhão. Achei que Tom Felton desenvolveu muito bem essa emice, até mandei um recadinho no Twitter para ele falando isso, entre os outros duzentos milhões que ele deve ter recebido desde a estréia do filme. Daniel Radcliff, ahm, fez o de sempre.

Agora, o que me incomodou, verdadeiramente. Primeiro, aquele Dumbledore obtuso que foi criado no filme. Nos livros, Dumbledore é nossa figura de estabilidade, serenidade, nosso porto seguro. Nos filmes, temos aquela criatura epilética e irritante. Eu o detesto, profundamente. Aí o que acontece... No livro, a cena da bebida da poção para se obter a Horcrux causa grande desespero para os leitores, porque Dumbledore mostra-se pela primeira vez, vulnerável e fraco. No filme, daquele ser patético, é mesmo de ser esperar um atitude assim. Uma cena que deveria causar agonia, desconforto e até desespero, tornou-se fraca, plana, totalmente sem-graça.

Outro incômodo meu: todo o conceito e origem das Horcruxs ficaram jogados e mal-explicados. Para quem não leu os livros, pode rolar uma dúvida que provalvemente será explicada por aqueles que leram. É normalmente assim que acontece.

Cortes de cenas dos livros são normais, necessários. Mas eu achei uma pena retirarem as partes que explicam a origem da famíla de Voldemort, como ele foi concebido, porque ele morava em um orfanato, e por aí vai. Para mim, é um dos detalhes mais interessantes da série toda e desvalorizá-los assim é uma verdadeira perda. É uma parte muito rica dos livros.

Gostaria de destacar minha predileção pela cena em que Harry bebe a poção Felix Felicis e participa do velório da aranha gigante. Para mim, foi a mais bem feita e bonita. Uma música ao fundo, Slughorn declamando belas palavras e Daniel Radcliffe em sua melhor interpretação de um usuário de drogas psicotrópicas. Na verdade, acho que ele não interpretou de todo, alguma experiência própria está estampada ali, no olhar desencontrado de Harry. Genial.

Menção honrosa para Lilá/Lavender Brown e seus sábios ensinamentos de como perder um homem, Luna Lovegood ao resgate, em seu vestido feito com os restos daquela porcaria que Hermione usou no baile do 4o filme, Bellatrix e seu lema "eu quero ver o oco" (quem não entendeu, me pergunte depois), mamãe Narcissa e seu cabelo de Pepé Le Pew, e ah, Snape. Maravilhoso, profundo, misterioso, genial, Snape.

Há quem reclame das cenas finais. O funeral teria sido interessante de se ver, figuras importantes dos livros, mas não foi uma perda total. Mas Snape gritando "DON'T CALL ME COWARD, POTTER!" com o fogo da casa de Hagrid como fundo também fez falta, é um momento de forte intensidade no livro.

No geral, foi um filme bom. Não foi o melhor, muito menos o pior.

Na verdade, aumentou minha vontade para os próximos dois. Esses sim, quero só ver como vão ficar.

Documentário: Pro dia nascer feliz

2009-04-03T22:15:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"Às vezes eu acho que é um pouco violento esse jeito como se vive: as pessoas têm que deixar de lado aquilo em que acreditam para se conservar vivas."
MAYSA, 16 anos

"Eu tenho medo de coisas, assim, totalmente complexas e grandiosas, como o medo da morte, o que acontece depois da vida, quem sou eu, o que vai acontecer comigo."
THAIS, 15 anos

"Eu deveria ter uma péssima impressão da vida se não fosse a paixão que tenho pela arte de viver."
VALÉRIA, 16 anos

Com seu estilo solto, uma visão aparentemente imparcial e depoimentos com assuntos para lá de aleatórios, o documentário “Pro Dia Nascer Feliz”, de João Jardim, constitui-se como um verdadeiro vitral, onde a realidade da educação brasileira é mostrada tão íntima quanto seria possível. Na verdade, a coerência que adquire decorre principalmente de sua não objetividade e, assim, fica clara a visão que a pedagogia vem disseminando, de que o momento escolar não é parte da vida, mas a própria vida de milhares de estudantes.

O ponto de apoio estrutural da narração é o famoso conflito educação pública/educação particular. São três os principais estabelecimentos de ensino que pude distinguir claramente como locus de pesquisa: uma escola pública de condições precárias, em uma das cidades mais miseráveis do país; uma escola pública de alta qualidade, equiparável em resultados com escolas da rede particular; e, por fim, uma escola particular de classe alta na grande São Paulo. Nestes contextos contrastantes, as câmeras nos levam pela vida dos estudantes a eles submetidos, pelo trajeto casa-escola, escola-casa de crianças reféns da rotina, pelos sonhos e discursos destes jovens, pelos medos, inseguranças, por suas conquistas e decepções.

A escola nem sempre está em primeiro plano nas problematizações postas, mas está sempre por ali, mesmo que em segundo plano, atestando sua influência onipresente. E o que se pode perceber facilmente é que, apesar de sua pretensão, a escola não dá segurança de futuro para nenhum dos jovens entrevistados. Não é que sua influência seja sempre atacada e estigmatizada. Não, em muitos momentos, é possível mesmo identificar processos em que a escola se torna protagonista, trazendo contato pessoal e metas, dando significado à vida de seus discentes. No entanto, ela parece uma instituição sempre deslocada, sempre artificial, levando o aluno para universos que não são seus e que talvez nem lhe interessem.

A complexidade de articulações é ainda evidenciada quando é dada voz também aos professores, tantas vezes recriminados e apresentados de forma vilanesca. Não é possível, é claro, retirar das mãos destes profissionais a responsabilidade por seus atos – responsabilidade esta muito grande, por sinal. Mas também não se pode negar a desvalorização injusta e a perda total de dignidade deste setor tão importante numa sociedade como esta em que vivemos.

Por fim, são o foco abrangente e a pluralidade de situações que conferem a este documentário a notoriedade que merece. É quando a escola é mostrada em sua essência mais humana, mais encrustada na vida de tanta gente ao mesmo tempo, mostrada mesma como reflexo e simultaneamente causa de uma sociedade desigual e cruel, mascarada e hipócrita; é apenas assim que se pode imaginar (porque ainda assim, definir me parece impossível) a abrangência deste poder instituído, a força deste personagem tão presente cultural e socialmente ao longo da história.

É assim que crítica e elogio foram atingidos com igual sutileza e importância.

(Essa é uma resenha que fiz ano passado, para a aula de didática. Reli agora, depois de uma conversa breve sobre o filme com a Marina, e achei propício. Se puderem, assistam.)

As Questões de Watchmen

2009-03-12T21:10:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

É comum dizer que um bom texto, seja um livro, um filme ou uma HQ, é bom quando nos põe a pensar, suscita dúvidas e questões pertinentes e, de certa forma, apura nossa visão de mundo. A obra de Alan Moore e Dave Gibbons sem dúvida se enquadra nesse perfil. Aqui, pretendo escrever um pouco sobre minha visão particular de quais são essas questões, e como compreender Watchmen, filme e HQ. Mais uma vez, não vou me preocupar em fazer uma apurada análise técnica. Escrevo para um público que tenha conhecimento do texto, pois podem haver spoilers (não muitos). Acredito que essa análise seja ainda mais valiosa para aqueles que apenas assistiram ao filme. Os que leram a HQ provavelmente já se confrontaram explicitamente com grande parte das questões abarcadas. No entanto, um releitura sempre ajuda a organizar o pensamento e consolidar nossas opiniões.

O principal objetivo de Watchmen chega a ser óbvio: a desconstrução do mito do super-herói, trazendo essas lendárias figuras para o mundo real. Não exatamente para o nosso mundo, mas para uma realidade paralela semelhante, diferindo apenas pelas consequências trazidas pela existência desses heróis. Tradicionalmente, o universo dos super-homens é o ambiente de personalidades linearizáveis, onde bem e mal não se misturam. Só de olhar é possível identificar bandidos e mocinhos. Na roupagem realista que Watchmen propõe, não há espaço para tais maniqueismos. Temos personagens humanas, nem sempre boas ou más, e sim tridimensionais. A primeira questão, então, que esse tipo de contexto propõe é:

Em um mundo como o nosso, qual seria o verdadeiro papel de um super-herói? Como lutar contra o mal quando ele não está mais tão convenientemente caracterizado por uma figura central, arqui-inimiga?

Os diferentes mascarados têm particulares respostas para essa questão. Mas não vou começar por essa discussão. Ainda estamos começando.

Antes de mais nada, é preciso se perguntar:

Por que no século XX* precisamos de super-heróis?

Bom, Super Homem, Capitão América e companhia nasceram do interesse político de vencer ideologicamente os soviéticos. Inspirados, então, no sonho americano de Justiça e Liberdade, divulgados por esses metalinguísticos personagens, surgem os “watchmen” (vigilantes), os combatentes do mal transportados para um mundo menos preto-e-branco, prontos para enfrentar o mal que existe dentro da própria América. A compreensão fundamental aqui é a de que nem o sistema político apregoado como o correto, a Democracia e as Leis, nem a Religião e nem o setor privado, e nem nada foi capaz de vencer misérias, desigualdades, preconceitos e violência. A sociedade da forma como ela foi concebida é simplesmente ineficiente no combate aos problemas sociais reais que maltratam principalmente, mas não só, as minorias (minorias que, em números, não têm nada de minoria). Por isso a crença em seres superiores designados para resolver os problemas sociais que os poderosos (preocupados com políticas publicitárias) não se mobilizam para tratar parece plausível em uma realidade caótica. Por isso a necessidade dos “watchmen”.

Mas, se por um lado, os heróis parecem necessários, por outro, seria absurdo e incoerente designar pessoas, seres humanos, para esse tipo de serviço. E o que aconteceria se pessoas comuns se dessem a esse trabalho? A resposta de Moore para essa questão é o próprio cenário de Watchmen, realista por necessidade de ser coerente. E o é. A genialidade do autor é justamente conseguir apresentar esse cenário como uma realidade plausível. Para os combatentes, motivos sobram: uns lutam por suas ideologias, outros são patrocinados por empresas, outros buscam fama e prestígio, a maioria apenas não bate muito bem da cabeça. Mas, que benefícios reais esses heróis humanos poderiam trazer à sociedade? Mesmo que eles tenham notáveis habilidades marciais, mesmo que eles tenham a tecnologia ao seu lado... Voltando ao início, como combater o mal?

Os vigilantes e suas batalhas pessoais

À primeira vista, o entre aspas “protagonista” Rorschach não parece lembrar nem de longe a algum herói dos antigos quadrinhos. No entanto, num universo menos complexo do que aquele em que vive o vigilante, teríamos na figura de Rorschach um super-homem fidedigno: em um mundo com a dicotomia bem-mal aparente e exposta, teríamos um personagem de código moral claro e inabalável, pronto para banir com as próprias mãos os indivíduos podres da sociedade. A visão de Rorschach é a de que não existem desculpas para os desvios de comportamento. Por sua história de vida, ele poderia ser o primeiro a se esconder atrás da máscara de vítima, como desculpa para qualquer mal que porventura viesse a cometer. No entanto, não é isso o que esconde a máscara de Rorschach. Nada, na forma como ele enxerga o mundo, lhe dá o direito de ser fraco. Ele faz o que deve ser feito (da forma como ele entende que deve). Ele não se dobra nem mesmo ao Estado, agindo na ilegalidade se preciso, por que acredita que sua missão precisa ser cumprida. Heroísmo? Obviamente! Dos melhores. Não agiria o Super Homem da mesma maneira? A impiedade e integridade de Rorschach aos seus próprios códigos é o que faz dele o mais heroico dos vigilantes. No entanto, colocando-nos frente a frente com nossas próprias fraquezas, esse personagem nos faz rever o conceito de Justiça. Qual o sentido de um código tão rigoroso quando todos somos mais ou menos fracos? Talvez seja o medo de aceitar nosso lado sombrio que nos impeça de compreender Rorschach em seu heroísmo, e perceber que todas as suas atitudes atrozes são motivadas pela concepção de justiça do mundo ocidental.

O que incomoda em Rorschach não é o fato de ele não ser o herói tradicional, mas justamente o fato de ele ser exatamente o que entendemos por herói. É claro que elementos compositivos importantes – sua aparência e seu total desprezo pela raça humana – fazem com que antipatias nasçam mais facilmente. Mas o importante é perceber que mesmo um Rorschach atraente e cheio de amor pra dar ainda cometeria erros terríveis, porque ele age centrado em suas próprias verdades e as leva adiante custe o que custar. Ninguém é dono da verdade, e um herói que faça sua própria moral valer, a despeito de outros, não passa de um intolerante e egocêntrico. Essa intolerância, no entanto, é a essência do herói, e a personalidade de Rorschach é uma peça fundamental no quebra-cabeça da trama.

E o que dizer do Comediante? O Comediante é um pacifista do plano psicológico. Ele, ao contrário de Rorschach e da maioria dos outros vigilantes, aceita o mal como parte integrante da natureza humana. Por isso, ele prefere não lutar, porque lutar contra o mal é lutar contra si mesmo. Ao contrário, ele se junta ao inimigo, fazendo da crueldade motivo de piada. Ele se permite atrocidades para se sentir em paz com sua natureza humana. O Comediante é o perfeito anti-herói, que acha uma piada a luta dos outros vigilantes.

Adrian Veidt, o Ozymandias, em certo momento da narrativa percebe o tom das piadas do Comediante, e atenta para o fato de o mal estar espalhado em todas as criaturas. Até então, ele era como os outros, engajado como Rorschach, mas capaz de enxergar a complexidade comportamental humana. Em nenhum momento, ele abandona a luta contra o mal, mas, ao se dar conta da natureza intrínseca da maldade, graças ao Comediante, Ozymandias percebe que seria preciso abandonar velhos princípios. A guerra contra o mal é uma guerra desleal e só pode ser vencida abandonando a visão romantizada de moral do super-herói. Adrian, o homem dito mais inteligente da Terra, é o primeiro a perceber que o herói humano seria incapaz de vencer na luta contra o mal, porque o mal não respeita nenhum código moral.

Impactos na Sociedade

Do ponto de vista social, a existência dos Homens Minuto (a primeira geração de vigilantes) é uma anomalia política sem tamanho. São pessoas que agem às escondidas, acima da lei e desrespeitando todas as conquistas democráticas históricas, ridicularizando o governo e a segurança nacional. No entanto, contando com o apoio da sociedade, são rapidamente incorporados ao sistema econômico, tornando-se celebridades e armas poderosas de publicidade. Espectral e Dollar Bill são perfeitos exemplos dessa nova tendência.

Não seria preciso nenhum grande evento para deixar claro que esses heróis eram, na verdade, grandes equívocos coletivos, motivados por ideologias artificiais. Logo começam os abusos e a dificuldade de identificar os homens por trás das máscaras cria uma casta social de irresponsabilizáveis; tiranos e nazistas fora da política. Mesmo que a maioria deles não agisse com crueldade, apenas a arbitrariedade que tinham poder para exercer já era suficiente para ameaçar a ordem social.

Super Poderes

A discussão precedente ganha nova dimensão com o surgimento do Dr. Manhattan. A pergunta agora é: e se um super-herói com super poderes realmente existisse? Alan Moore responde com outra pergunta: e se essa espécie de Super Homem fosse, da mesma forma como foram os Homens Minuto, incorporado pelo sistema político-econômico? Uma criatura super poderosa poderia, em teoria, funcionar como arma em uma guerra política, mas não na guerra contra o mal, porque, nas palavras de Jon, ela não possuiria o poder de “alterar a natureza humana”. É a visão do Comediante voltando à tona. A guerra contra o mal é uma guerra contra os homens. Apenas a humanidade poderia se salvar de si mesma.

É por isso que, na HQ, quem salva a Terra de uma 3ª Guerra Mundial é um herói humano, e não o Dr. Manhattan.

Além disso, fica clara na HQ a visão de Moore de que, quanto mais poder a humanidade detém, mais iminentes tornam-se os conflitos. Foi a existência do Dr. Manhattan que deixou a Terra à beira da guerra. O medo que Jon causava nos soviéticos era tamanho que não descartava-se a possibilidade de um ataque suicida. Fica no ar mais uma pergunta:

Que poderes um super-herói precisaria ter para garantir a paz? Mesmo no plano metafísico, esse perfil de herói existiria?

Rorschach versus Ozymandias

Todas essas perguntas não ficam sem solução. Ozymandias, com seu plano megalomaníaco e por métodos questionáveis consegue unir duas nações inimigas e acabar com a ameaça da guerra. Essa solução, no entanto, está longe de ser conclusiva. Personagens morrem, mas não ideologias. A breve mas suficiente discussão entre Ozymandias e Rorschach no final da trama é ainda repleta de quesões a serem pensadas. A forma como Ozymandias conduz os fatos baseia-se numa visão maquiavélica que não raro culminou em grandes injustiças históricas. Em verdade, apesar da Terra ter sido momentaneamente “salva”, não há garantias de que o mundo será um lugar melhor dali para frente. Aliás, não há sequer garantia de que ela vá durar mais dez anos. Terão, então, valido a pena todas as mentiras, todas as mortes, todas as arbitrariedades? Não estará a visão de Ozymandias apenas propagando os mesmos erros e preconceitos que deram origens à desigualdade e à guerra? O feito é notável, mas não haveria outra forma? A pergunta, na verdade, é secular: os fins justificam os meios?

A visão heróica e romântica de Rorschach é terminantemente contra essa “salvação” sangrenta e mentirosa; “sem acordos”, ele diz. Mas, estaria errado o seu ponto de vista apenas por parecer utópico? Afinal, quantas vezes ao longo da história os grades impasses tentaram ser resolvidos de forma honesta? O problema político de ações como o de Ozymandias é que, quase sempre, busca-se por meios imorais alcançar interesses particulares de poderosos. O mesmo não pode ser dito de Adrian Veidt, contudo, colocando na forma de outra pergunta secular: um erro justifica outro? É uma imagem forte quando Rorschach refere-se à morte como “mais um cadáver em sua fundação”. Talvez ele esteja propondo que um mundo melhor não se construa por grandes revoluções, mas por atitudes íntegras. Os fins não podem justificar os meios, porque todo final é uma ilusão. O futuro perfeito de Veidt é uma ilusão, e o que ele fez simplesmente não está correto.

Tantas questões filosóficas e existenciais em apenas 12 capítulos é realmente um mérito à parte, e, apesar de haver falhas, tanto no filme quanto na HQ, é mais que merecido o reconhecimento de Watchmen como uma grande obra, um marco na história dos quadrinhos. Àqueles que assistiram o filme, recomendo fortemente ler também a série impressa. A ambientação é feita de forma espetacular e essas questões todas são tratadas com muito mais cuidado que na versão cinematográfica, que, apesar de ser uma excelente adaptação do enredo de Watchmen, perde em profundidade de interpretação.

____
* Período da trama.

Slumdog Millionaire

2009-03-11T22:01:00.000-07:00

- - - de Renata_, para o na Vitrine.

Então, o vencendor do oscar 2009.

Bonito? Sim.
Comovente? Sim.
Envolvente? Sim.
Bem feito? Sim.

Surpreendente? Não.
Inovador? Não.

Tinha um comichão me incomodando durante todo o filme. Um comichão que me dizia: você já viu/leu/ouviu essa história antes. E é óbvio que você sabe o final.

Não é surpresa que Slumdog ganhou o prêmio de melhor filme. Porque ele não ganharia? Ele possui a fórmula exata, que funciona entre nós mortais, por séculos a fio.

É muito simples: Crie um herói, tão nobre quanto Ivanhoé, tão apaixonado quanto Romeu, com a infância tão trágica quanto... sei lá, a do menino do "Parada 174", uma heróina tão bela e pura quanto qualquer princesa adormecida e adicione o destino determinado a consagrá-los com um feliz para sempre. Gente, que membros da Academia não derretem diante disso?

Sabem o que vi na tela? Alladin do século XXI. E Alladin da Disney mesmo, porque o conto original tem mais suor e sangue. Não me levem a mal, eu AMO Alladin, mas com a plena noção de que entre a Moreninha e a Jasmim não há muita diferença, além de alguns miolos (para a Jasmim, obviamente) e a própria etnia das duas.
Jamal-Alladin "ladrão lalau, eu não sou não! É que na realidade, eu sou só pobre. Alladin... Quem há de dizer, que há muito mais, em mimmmmm!" passou por muitas dificuldade para chegar à cena inicial do filme. Cada momento de sua vida é uma "denúncia social" das violações dos direitos humanos, ambientais, sociais, animais, científicos, sociológicos, antropológicos e tudo mais que é possível de ser violado.
Alladin conhece Jasmim, Alladin não pode ter Jasmim. - Jamal conhece Latika, Jamal não pode ter Latika.
Alladin acha a lâmpada - Jamal entra no show do milhão indiano.
Alladin perde a lâmpada para Jafar - Duvidam da capacidade de Jamal de estar ganhando o jogo honestamente.
Alladin com a ajuda do bem, vence Jafar, liberta o gênio e fica com Jasmim. Eventualmente Alladin se muda para o palácio assim como também eventualmente se tornará sultão, deixando toda uma vida de pobreza e sofrimento para trás. Living Happily ever after.
Jamal não se sai muito diferente.

Não estou exigindo quedas de sistemas, nem quebra das castas, nem que o governo indiano seja derrubado. Muito menos desejo que Jamal tivesse perdido na pergunta final, paraque o fim fosse mais real. Também não estou desvalorizando o tom narrativo do filme. Na verdade, não estou aqui para criticar Slumdog Millionaire.

Só quero deixar um alerta para mantermos nossos olhos abertos. Sentir alívio porque Jamal e Latika nunca mais vão passar fome não é catarse, é alienação.

E a música final e ganhadora do oscar também (que eu gostei e até baixei), poderia muito bem ser substituída por "Um Mundo Ideal":

Aladdin: Um mundo ideal
Jasmin: Um mundo ideal
Aladdin: Que alguém nos deu
Jasmin: Que alguém nos deu
Aladdin: Feito pra nós
Jasmin: Somente nós
Aladdin & Jasmin: Só seu e meu.

Exatamente, meu casal preferido da Disney: Só de vocês dois.

Cada prêmio honestamente merecido. Fotografia, trilha sonora, etc, etc. Podem ver sem medo. Recomendando para sair feliz do cinema.

E eu tenho problemas, porque eu achei o ator do Jamal sexy. Não me perguntem porque. E imaginem meu susto ao constatar que ele será o ZUKO na versão cinematográfica de AVATAR.

Parceria de Jack White com Alicia Keys ganha clipe

2008-12-22T11:16:00.000-08:00

Foi lançado oficialmente nesta terça-feira, 30, o clipe de "Another Way to Die", música feita em parceria por Jack White (do White Stripes) e a cantora Alicia Keys para a trilha sonora de Quantum of Solace, o vigésimo segundo filme do agente britânico 007 (mais uma vez vivido por Daniel Craig).

A canção já havia vazado na internet em áudio, retirada de uma propaganda da Coca-Cola Zero norte-americana. O disco com a trilha sonora completa do filme será lançado no final de outubro, vinte dias antes da estréia do filme no Brasil, em 14 de novembro.
(FONTE: http://www.rollingstone.com.br, setembro de 2008)

Blog do Saramago

2008-12-18T14:33:00.000-08:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Só para compartilhar. Comecei a lê-lo esses dias:

O Caderno de Saramago

Persépolis - Quadrinho e filme

2008-12-16T14:23:00.000-08:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

O mundo é muito maior.

Foi isso que Persépolis me ensinou.

Esse foi com certeza um dos quadrinhos mais ricos que já li. E digo isso em vários sentidos. A estética de preto e branco, o conteúdo político e social abrangente e crítico. Nossa, eu simplesmente achei genial.

Marjane Satrapi é uma iraniana que com dez anos de idade vivenciou a revolução islâmica em seu país. Suas experiências pessoais, seu ponto de vista infantil, sua adolescência conturbada e todos os elementos que compõem a vida de qualquer ser humano são fielmente narradas em uma autobiografia publicada em vários países, inclusive no Brasil. Em 2007, um filme de produção francesa com direção da própria Marjane foi lançado.

Persépolis não é uma obra sobre o oriente feita para o ocidente, como certos livros puxadores-de-saco-dos-EUA sobre pipas e meninos infelizes são. Em nenhum momento Marjane exalta a liberdade do capitalismo, a superioridade consumista e nem nada dessas besteiras.
Ela reflete, isso sim, sobres as perdas que seu povo sofre, as consequências de uma guerra, quando a palavra do amor é transformada no grito do ódio, quando o riso é considerado nocivo e quando a imperfeição humana impede que a harmonia acompanhe a evolução de um todo.

Ela mesma assume seus erros, o que seu medo a fez cometer e como podemos nos deixar levar por nossas angústias.

Ao mesmo tempo, nos é retratado um cotidiano ímpar, que eu sinceramente desconhecia. O pouco que nos é oferecido sobre países como o Irã é tão deturpado que eu fiquei surpresa em alguns momentos.

Eu não quero entrar em detalhes, porque pra mim tudo que eu digo é spoiler. Mas com certeza, Persépolis não crítica sistemas, ideologias nem religiões. Persépolis crítica a ausência de integridade nas lideranças, as concepções desprovidas de empatia pelo semelhante e a fé cega, sem carinho e amor.

A animação não foge do enrendo principal, somente pulando alguns momentos e cenas. Tem uma trilha sonora suave e uma linguagem bela de narração.

E pra mim, a avó dela é a melhor. Quero ser uma avó assim um dia.

O novo de Woody Allen

2008-11-23T05:17:00.000-08:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

O na Vitrine já teve tempos melhores e, com essa esporadicidade nas postagens, é possível que demore um tempo considerável até alguém aparecer por aqui. Mas não me importa. Tereza e Renata me entenderão: é preciso que essa porta esteja aberta, para nosso próprio bem. Tem horas que queremos dizer, não importa a quem.

Agora são 2h36 da manhã e acabo de voltar do último filme do Woody Allen, que confesso ter ido relutante. Aos fãs do cara, não me achem um anti-allenzista. Minha única implicância com ele é o outro único filme que assisti de sua autoria: Match Point, no qual o insuportável protagonista faz do longa uma experiência nada motivadora.

Vicky Cristina Barcelona, ao contrário, tocaram-me fundo. Aqui, pretendo fugir um pouco da tradicional análise técnica – roteiro, direção, fotografia, etc –, que, passando por cima, estão bastante agradáveis em seu estilo peculiar. Recursos que só seriam vistos com naturalidade há algumas décadas aparecem vez em quando na película. Uma brincadeirinha que acaba trazendo novos ares para cenas que poderiam ter passado em branco. Por outro lado, o cuidado com a cor lembra um pouco o tratamento de produções mais atuais (ou menos antigas), como Amélie Poulain ou qualquer coisa do Almodóvar.

Prefiro seguir a uma interpretação mais “semântica”. Adianto que este post é destinado àqueles que já assistiram ao filme e pretendem discutir sua mensagem. Aos outros, prefiro que aceitem minha recomendação de não perder esta bela oportunidade de ir aos cinemas. Na volta, podemos continuar deste ponto.

Prefiro que seja assim porque, durante aquelas horas, Woody Allen conversou comigo. Também vou fingir que não vi o que a crítica está falando por aí: que “A Barcelona de Allen [...] é de cartão postal. A identidade catalã não se retrata no filme (...) e a vida mostrada no filme é absolutamente irreal (um artista de sucesso com uma supercasa, um supercarro e com amigos poderosos que lhe emprestam seu avião particular)” [fonte]. Pra mim, isso é pequeno para um filme que, intelectualmente, fala na minha língua. A narrativa faz total sentido e cada cena, cada personagem, cada frase do narrador são como o nó que estava faltando. Porque a mensagem do filme estava lá o tempo todo. Em nenhum momento te deixam esquecer que é disso que estamos falando. Espero ser capaz de justificar este pondo de vista. Vou começar definindo disso.

Disso sou eu. Poderia dizer: disso são as pessoas em geral. Mas subtraio-me de tamanha generalização. Então, quero dizer que o filme fala de mim. De como são os meus relacionamentos e de como eu gostaria que eles fossem, principalmente. Fala que para relacionar-se é necessário sofrer, apesar de caber a mim escolher se isso é bom ou ruim, e de como administrar esta condição. Fala também de como essas decisões e, portanto, meus paradigmas e minhas atitudes, criam novos conflitos e novas inquietações. Fala que, afinal, eu e o outro somos relacionados visceralmente. Relacionar-se é o que faz de mim, eu. Por isso também, a vida traz tantas perguntas e tão poucas respostas. Fala, enfim, que todos somos diferentes; e isso diz respeito a mim.

É fácil, para tanto, notar que cada uma das personagens é componente nascida inteira do seu criador, o autor, e também daqueles “eus” que, como eu, identificaram-se com os conflitos explorados. A saber: Vicky e a necessidade de segurança; Cristina – a inconstância e a vontade de se expressar, dando sentido à própria vida; Juan Antonio – os desejos carnais; Pai de Juan – a perplexidade ante a vida; María Elena – a arte à flor da pele e o talento inato; Doug – o comportamento padrão e o peso das estruturas sociais; Judy – o medo de se frustrar. Todos repletos de dúvidas, insatisfeitos com alguma coisa, e movidos pela vontade de tomar as rédeas da própria vida.

No entanto, é interessante notar também como importantes pequenas decisões tomadas pelo escritor fazem com que a mensagem chegue inteira. As protagonistas Vicky e Cristina têm trajetórias que se contrapõe magistralmente, deixando claro como o rumo das desventuras deve ter sido milimetricamente medido para que a visão de uma não se sobreponha a da outra. Isto é, não vemos um traço sequer de moralismo barato da parte de Allen, defendendo um ou outro ponto de vista. O que vemos é um olhar positivo em cima das atitudes ousadas, no matter what. Por exemplo, quando Vicky enfim tenta dar vazão a seus sentimentos e encontra-se com Juan Antonio, sendo surpreendida por María Elena, armada, e se machuca; é neste momento que a personagem parece enfim estar pronta para tomar uma decisão: manter o casamento ou entregar-se a suas paixões? Nada no filme indica que ela tenha tomado uma ou outra decisão, mas o ponto é que, se ela não tivesse dado uma chance para Juan, ela provavelmente se lamentaria sempre, ao sinal de qualquer pequeno problema. É ainda possível inferir que o comportamento desequilibrado de M^a. Elena a tenha assustado de tal forma a dar-lhe a segurança que ela precisava para continuar casada com Doug. Nesta altura da história, contudo, a personagem Cristina, volúvel e pouco convencional em suas atitudes, já abrira mão da vida a três, tomando uma decisão socialmente “louvável”, enquanto Vicky tomava outra socialmente “mal vista”, apesar dos motivos particulares de ambas. O tom da trama, ao contrário da sociedade, não julga, não pesa, não moraliza. Ele diz: “Tente. Você se tornará mais preparado para fazer as suas escolhas”. É isso o que o narrador tenta valorizar ao dizer que "Cristina voltou de suas férias sem ter certeza do que queria, mas apenas com a certeza do que não queria". É como se esse fosse o único amadurecimento possível.

E por que disso? Como o filme justifica seu conselho, aparentemente inofensivo mas, no fundo, subversivo e até assustador? Ora, é a incompletude do sujeito que está constantemente sendo exposta. Essa incompletude não permite ao sujeito abandonar o peso da dúvida, cujo os únicos remédios são o arriscar, quiçá o arrepender-se. Quando Cristina conta à amiga e a seu marido que, sim, vivia um relacionamento à três, amara uma mulher e estava feliz, é nítida a relação vertical entre o eu e o outro. Uma relação lacaniana, também conhecida como “o estádio do Espelho”. É a visão de que o eu se torna eu no outro. Você nasce e cresce absorvendo dos pais, amigos e estranhos as formas corretas de obter prazer e os objetos corretos de prazer, adequando para tanto sua estrutura psíquica e comportamental. Contudo, os pequenos desgostos da vida nos mostram que nem tudo o que é certo é bom e nem tudo o que é errado é ruim. Portanto, quando Vicky ouve de sua interlocutora uma versão unilateral daquela nova forma de felicidade, perfeita e satisfatória, enquanto discurso; seus pequenos monstros voltam a atormentá-la. Porque o outro é sempre quem nos vende a forma ideal de felicidade, fórmula que nunca conseguimos alcançar e portanto nos sentimos fracassados. É a velha história do jardim mais verde no vizinho, acrescida do agravante pensamento: se ela consegue e eu não, algo só pode estar errado comigo. Este conflito é levado ao extremo quando Judy, sofrendo do mesmo mal, projeta suas frustrações em Vicky, levando às últimas conseqüências a paranóia da protagonista.

Ainda assim, os diálogos informais e descontraídos, o visual bonito e clean, a trilha sonora agradável e outros aspectos técnicos conseguem manter uma invejável leveza emocional durante a película. Essa leveza é de um otimismo ímpar. Não é o otimismo vazio de uma felicidade fortuita, mas o otimismo de quem vê as questões mais profundas e angustiantes do ser e ainda assim consegue aproveitar a vida. O pai de Juan Antonio é provavelmente a personagem que carrega melhor essa mensagem. Veja, a imagem de um poeta velho que não publica seus textos por vingança contra a vida não pareceria tão saudável e sorridente senão na fotografia de Allen.

A grande mensagem do filme acaba sendo como um remédio eficaz contra nossa insatisfação crônica. Quando Penélope Cruz, na voz de sua personagem deliciosamente maluca, acusa Scarlett Johansson de nunca estar satisfeita com nada, ela é uma metáfora perfeita da própria vida cobrando-nos sossego. Da mesma forma que Cristina encontra-se insatisfeita, mesmo depois de fugir dos padrões de relacionamento para dar significado a sua vida, o mesmo ocorre com o restante das personagens, em especial Vicky, que se questiona se sua vida perfeitamente “dentro dos planos” lhe trará tranqüilidade (ou felicidade). É nesse sentido que a vida das personagens, e também as nossas, parecem nunca finalizar-se. O filme propõe então esse equilíbrio perigoso, incitando-nos a fugir da mesmice e do óbvio (exemplo, na ridicularização da superficialidade dos amigos de Doug), mas aprendendo a dar valor a nossa própria história e às nossas próprias conquistas. Nas telas, tudo é arquitetado para que possamos compreender isso com plenitude, mas sabemos como na vida real é complicado e difícil enxergar sempre os dois lados da moeda.

Com isto, chega a ser ácida sua visão sobre aqueles que ainda acreditam em certo e errado e preocupam-se, como Doug, em poder dar palpite sobre as escolhas que não são suas. Quando este afirma tão categoricamente que Cristina está fadada à eterna busca por felicidades fugidias, não é capaz de perceber que um certo amadurecimento de sua esposa a levava à inquietações tão semelhantes às da amiga. Outro ponto acertado na história é a participação mínima de Doug, que não chega a ser mortificado. É como se seu “lugar comum” já estivesse pré-perdoado por nós ante a massificação do comportamento.

Por fim, o filme trata do desapego aos ideais. Citando o lema de Maria Elena e Juan Antonio: “o amor só é completo quando idealizado”. Porém, completo não é feliz. É engraçado que esse seja exatamente o joguinho capsioso do filme, que nos diz o contrário: que é a idealização que nos causa sofrimento, e que o amor nunca pode ser esse jogo solto de palavras. Ao dar tratamento equivalente à Vicky e à Cristina, à razão e ao impulso, ao padrão e ao exótico, Allen valoriza a história única (e bonita) de cada personagem. Mostra-nos que não há fronteiras quando nosso objetivo é buscar a felicidade, e mostra, por outro lado, como é infrutífero pretender encontrá-la.

The Mist

2008-10-03T21:31:00.000-07:00

- - - de Tereza_, para o na Vitrine.

Sabe aquele filme (ou livro, ou novela) que o final estraga tudo? São casos bem comuns, difícil é achar um final que faça tudo ficar melhor.
The Mist definitivamente se encaixa nessa raridade.
Fui assistir o filme sem saber muita coisa, além de que era um filme baseado em Stephen King (90% dos filmes baseados em Stephen King valem a pena), sobre um nevoeiro... que matava pessoas.
De ínicio eu já gostei porque o trabalho de câmera é espetacular. É por isso que eu assisto filme de terror inclusive, são os filmes com ângulos e técnicas de filmagem mais legais.
Mas um tentáculo gigante comedor de gente depois e eu já tava, putz filme de monstro, não gosto, monstro não assusta.
Pois é, ledo engano, porque o filme não é sobre monstros nada, e sim sobre pessoas presas numa situação de pressão e como isso é mais assustador do que tudo. Ponha na mistura uma pregadora do Apocalipse carismática e um revolver com dez balas e você tem um dos finais mais chocantes que eu já vi.
Não chocante pelo o que acontece, mas chocante por eles terem tido a coragem de te-lo feito (inclusive porque no conto original do SK o final é deixado em aberto). É quando você está assistindo um filme e percebe que ele seria perfeito se acabasse assim, mas você sabe que eles nunca fariam porque é muito... bom, melhor eu não falar o que, porque eu não quero estragar a surpresa. O negócio é que eles fazem assim e você demora pra processar o que aconteceu.
O filme em si não é perfeito, é meio arrastado em alguns pedaços, a trilha sonora é no máximo adequada e tem alguns efeitos especiais horríveis (embora todos os que se passam na névoa sejam muito eficientes), mas como eu disse, o final e atuações bem acima da média fazem relevar os defeitos.

ps: ah sim, só um último comentário para os fanáticos por Shyamalan como eu, The Mist é tudo que Fim dos Tempos poderia ser e não foi.

The Ting Tings

2008-09-06T20:42:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Sabe quando você conhece uma banda e simplesmente não consegue parar de escutar? De repente, todas as outras músicas (do mundo!) soam chatas e obsoletas e apenas essa nova descoberta parece refletir o que realmente você está sentindo? Assim aconteceu comigo e com The Ting Tings, um dueto britânico formado há dois anos, mas que só agora, em maio de 2008, lançou seu primeiro disco. Sucesso de vendas na Inglaterra (e, veja, a Inglaterra atualmente parece só ter sucesso de vendas: a concorrência por lá não anda muito fácil), os Tings têm tudo para tornarem-se reconhecidos internacionalmente. Aliás, o dueto já deu o ar de sua graça com músicas próprias em seriados importantes, como One Tree Hill e Gossip Girl.

É claro que eles não seriam outra coisa que não indies. Bandas de dois integrantes hoje em dia teriam de rebolar muito para não se enquadrarem nesta classificação (mas, por favor, não confundam banda com dupla sertaneja). De qualquer forma, o disco recém-lançado We Started Nothing mostra uma banda que já chegou para ficar, com músicas maduras e quase todas prontas para tornarem-se hits. Nada de musiquinhas chochas para fechar o CD por aqui. São poucas e curtas, verdade, mas não vejo nisso demérito. Pelo contrário.

Temos Great DJ abrindo o set-list, dançante, empolgante, com Katie White (vocalista, guitarrista e baixista) levando o refrão numa adorável “batida gutural”, ou que chamem isso do que quiserem. That's not my name encabeça as listas de sucessos do momento, também dançante, mas com um desafio implícito até no quê de deboche da música. Katie e seu timbre forte impressionam. Mas engana-se quem até aí acreditou que a banda é Katie e Katie é a banda. Os arranjos e a tessitura musical destacam-se principalmente na atmosfera muito bem apresentada de Fruit Machine. Jules de Martino (baterista, guitarrista e vocalista) mostra-se responsável por uma batida bem-definida, dançante e empolgante, mas não tão óbvia como pode parecer. Recursos sutis, mas fundamentais, tiram a banda da mesmice. Merece atenção também a inusitada Traffic Light. Chego a me perguntar o que uma baladinha tão cute-cute está fazendo no meio desse CD. Os Tings mostram-nos que música eletrônica também pode ser eclética.

Influências de bandas como Le Tigre, Franz Ferdinand e White Stripes são nítidas, sobretudo no clipe de Shut Up and Let Me Go. Vale a pena dar uma conferida.

The Ting Tings - Shut Up And Let Me Go
by regregister123456

Segundo a Wikipedia, o nome da banda surgiu em uma conversa de boutique entre K. White e uma amiga chinesa. A amiga teria dito a Katie que, em mandarim, o “nome”* significa “antigo coreto”. No entanto, é possível que o significado japonês do termo – pênis pequeno e engraçadinho – tenha de certa forma contribuído para chamar a atenção do público, sobretudo o oriental.

_____
* Não sei a quê extamente se refere.

O Procurado

2008-09-05T22:02:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Título Original: Wanted
Gênero:Ação
Tempo de Duração: 108 minutos
Site Oficial: www.wantedmovie.com
Direção: Timur Bekmambetov

Na verdade, o nome do filme deveria ser "Por que a Angelina Jolie é o máximo?".

Mas agora está tarde e eu não estou com vontade de justificar a minha tese. Talvez a Tereza apareça por aí e faça uma crítica longa e consistente.

Pelo sim, pelo não, contente-se com o meu "Vejam!"

______
Adenda rápida - Apenas para não ficar tão simplista.

Existem outras qualidades no filme, que não a Angelina Jolie: trilha sonora (assinada pelo grande Danny Elfman), bons efeitos visuais, o protagonista é menos detestável do que poderia ser, etc. Além disso, a influência de filmes como Clube da Luta é nítida.

No entanto, existe um castelo, existe um trem, o cara tem "poderes" e se chama Wesley; cresceu achando que o pai morreu e por causa disso buscar o pai é uma razão para viver; pessoas têm ratos de estimação e, enfim, francamente: Ninguém mais pensou em Harry Potter assistindo ao filme não?!

Turma da Mônica Jovem

2008-08-31T15:38:00.000-07:00

- -- de _Renata, para o na Vitrine.

Eu vou voltar a colecionar mangás. Bom na verdade, só um mangá e na verdade, nem mangá é. É um quadrinho brasileiro em estilo mangá.
Eu realmente esperei desde a primeira notícia que saiu sobre na internet (acho que foi em junho) e finalmente pude comprar em uma banca de jornal, depoistado não ao lado das revistinhas infantis e sua versão tradicional (Turma da Mônica mesmo) mas sim entre Full Metal Alchemist e Naruto, a revista de R$ 5,90: Turma da Mônica Jovem.

A capa já chama atenção facilmente com uma Mônica curvelínea fazendo o tradicionalíssimo sinal de V dos mangás e escrito logo acima: "Eles Cresceram!". As páginas são em preto e branco como todo bom mangá mas o jeito de ler é bem brasileiro, de frente para trás.

Maurício de Sousa se mostra muito empolgado com o projeto (pudera, depois de não sei quantas esposas e filhos japoneses, alguma influência o cara ia ter) e é possível perceber que ele deu carta branca para muitos dos elementos apresentados tanto no estilo do quadrinho quanto no roteiro em si.

Bom, vamos lá. É realmente uma proposta interessante. A turma cresceu, e com isso vem algumas mudanças, que são citadas duzentas vezes durante o mangá. O Cebolinha agora é Cebola e não fala mais errado, a não ser quando está nervoso. O Cascão toma banho, mas ainda não gosta de fazê-lo. A Magali come pouco pra se cuidar e a Mônica não é mais gorda, baixinha etc etc. A mudanças em si não me abalaram, mas a cada dois quadrinhos os personagens ou falam sozinhos ou toscamente um com outro em um tom de "Oh, COMO NÓS CRESCEMOS E FICAMOS DIFERENTES, NÉ? " que foi bem irritante. Mas é a 1a edição e os mais lerdos precisam se sentir situados, então tudo bem.

Por outro lado, certas mudanças foram hilariamente interessantes. O anjinho agora parece um mutante de X-Men muito sexy, com o nome feliz de CÉUBOY. A franja do franjinha finalmente parece uma franja normal, a Marina parece um fanart estilo "hotgirl" da Hermione, o Capitão Feio é bonito e tem cabelo comprido e também mudou de nome, para ficar mais estiloso... Poeira Negra. Coitado. Mas enfim.

O legal é rir das características de um mangá clássico que são jogadas na sua cara, com se estivessem sendo sutilmente utlizadas. Cascão e Cebola (é pra acostumar, porque ele não quer ser mais chamado de Cebolinha) colocam os braços atrás da cabeça toda hora, a Mônica com sua linguinha de fora, fazendo carinha de inocente, veinhas raivosas saltando das testas, gotinhas de suor chovendo pelas páginas e por aí vai.

A história já se estabeleceu dentro do mundo da fantasia e do fantástico ( de uma forma muito tosca que eu prefiro nem entrar muito em detalhes porque ficou verdadeiramente mongol, com os pais deles empunhando Katanas e se fazendo de heróis doentes do passado. Senti até vergonha, mas é só não ler muito as falas que melhora), excluindo rapidamente o ambiente escolar (eu crente que ia ser um estilo Malhação de vida) prometido pelos anúncios e pelas propagandas. Os quatro personagens serão inseridos no principais mundos do mangás: Medieval, Futurista, Artes Marciais e ahm não me ocorre agora um título apropriado, mas é tipo Trevas, com vampiros (ah, anime e mangá de vampiro é o que mais tem por aí) e etc.

Esses universos são tipicamente Shonen. Na verdade, quase tudo que essa nova publicação digamos, "pegou emprestado"do Japão, é shonen. A única característica Shojo que eu identifiquei foi o romance em potencial do Cebola com a Mônica. E isso com certeza vai ser uma das maiores expectativas do público com a nova trama. "OK, eles cresceram, agora eles vão se pegar, né?"
Tem gente esperando por isso desde que nasceu, eu inclusive. E eu acho que é bem possível que fique bom, que vire shipper, que a gente torça para que aconteça de forma linda e fofa, que a gente dê gritinhos a cada cena instigante que venha a aparecer e que praticamente enlouqueça a gente, como Sakura e Shoran - Kyo e Tohru - Inuyasha e Kagome e muitos outros já enlouqueceram um dia. Aliás, é bom que seja um romance beeem shojo, porque romance shonen, quando existe algum, é quase sempre extremamente frustrante. Tá aqui um abraço leve e fique satisfeito. Enfim, é só fazer direitinho que pode dar certo.

O lado psicológico e emocional do mangá também foi bem deixadinho de lado. Não esperemos questões existencialistas, com corpos encolhidos no chão, braços envolvendo as pernas e alguém dizendo "eu não quero morrer". Pouquíssimo provável.

Eu meio que acho que o Cebola é o personagem mais "mangástico" dos quatro. Ele é inocente, com um quê de herói por acidente, é apaixonado e vai lutar por esse amor. No verso da revista ele está com uma pose ótima, bem típica de "eu sou um personagem de mangá". Eu adorei.

O gostoso mesmo são as pequenas verossimilhanças. O brinco do Cascão e como ele chama o Cebola de Véi, o CD de Love Songs que o Cebola grava para a Mônica, A Mônica apertando a cabeça do Cebola contra o peito, a Magali querendo chamar a polícia e outras pequenas coisas que simplesmente enriquecem o quadrinho. Tá, acho que pode ser meio exagerado o jeito da Magali e da Mônica se vestirem, mas também acho que poucas adolescentes de classe média conhecem uma das frases mais famosas de Coco Chanel : "Sempre retire a última coisa que você colocou."

O aconselhamento é para maiores de 10 anos, mas ainda não aconteceu nada que não pudesse aparecer nas revistinhas originais. Espero que aconteça, até porque está realmente muito infantil, com diálogos bobos em algumas partes. Deve haver a busca de um equilíbrio. A essência de Turma da Mônica não pode ser perdida, mas o canal agora é outro e uma maturidade vai ser exigida.

Não começou super bem, mas não começou super mal. Pode evoluir facilmente ou pelo menos gradativamente. Minha preocupação maior é que eles não tenham uma história pré-planejada e acabem inventando tudo em cima da hora, como foi em Pokémon e Digimon. Um bom mangá tem sempre seu fim conectado com o início ou pelo menos fazendo sentido com ele.

Histórias sobre crianças para crianças podem ser sem nexo, sem fim, pé, cabeça e corpo. Histórias sobre adolescentes que já foram crianças muito famosas, que são mundialmente conhecidas, que já forneceram muitas alegrias e emoções para outras crianças que atualmente podem nem ser mais crianças, já não tem tamanha liberdade.

Não brinque com fogo, se não souber brincar.

Mas eu tenho fé e recomendo.

E sugiro àqueles que executam todo o projeto: leiam Holy Avenger. Dá para aprender bastante.

Fim dos Tempos (para o Shyamalan)

2008-06-15T10:33:00.000-07:00

- - - de Renata_, para o na Vitrine.

Puxa, eu estava com saudades de escrever aqui...

Então, sexta agora eu fui com mais dois amigos da minha turma de cinema assistir o novo filme de um dos meus diretores (roteirista e produtor também) favoritos, M. Night Shyamalan e me decepcionei seriamente. Pior, estou preocupada com o Shyamalan. A bilheteria já não foi justa com ele em "A Dama Na Água" e eu acreditava que esse filme seria o seu resgate, mas com certeza não foi dessa vez.
Meus amigos DETESTARAM e afirmaram com todas as letras que é OFICIALMENTE o pior filme da vida deles. Eu não me senti assim, mas fiquei sinceramente triste.

E o pior é que eu não sei exatamente o que está errado. Talvez seja tudo. Atores deslocados, roteiro fraco, sem aquela emoção bela de "A Vila" ou o medo inteligente de "Sinais", ângulos esquisitos de câmera (sim sim, estou aprendendo a analisá-los), microfones aparecendo a cada cinco segundos e etc.

A idéia inicial era até boa, tornando o vento e as árvores os vilões maquiavélicos da história, mas a medida que o filme se desenrolava você já estava olhando para os lados e pensando: "É só eu, ou o cara cheirou meia para inventar essa maluquice?", e pensar isso de Shyamalan é praticamente heresia, porque ele sempre fez tanto sentido.

Meus amigos sentiam como se estivessem tendo um sarro tirado de suas caras (palavras deles também), como uma metlinguística maluca de "haha, seus trouxas, olha a idiotice que eu inventei para vocês acharem que estão assistindo um flime de suspense! Dããã!"

A única cena realmente boa foi o Mark Wahlberg (que sabe trabalhar melhor do que daquele jeito) conversando com a planta de plástico. Ali eu vi o Shyalaman que eu conheço se manifestando.

Portanto, não foi bom. Dedão para baixo. Só espero que M. Night não faça besteira com Avatar também, porque aí eu não perdoarei jamais! I'll curse the day he was born! (O filme de Sex and The City por outro lado, foi lindo e eu até chorei...)

E o francês do final era mó gatinho também....

Querida banda Panic! At The Disco (Com !),

2008-05-28T15:51:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

que tipo de idiota vocês pensam que eu sou? Qualquer pessoa que ouça esse CD, Pretty, Odd, de vocês, pode perceber que vocês andaram ouvindo mais os Beatles do que seria aconselhável. Pior que isso: vocês estão pensando mesmo em substituí-los ou algo assim? Porque seria patético. Fico imaginando meia dúzia de adolescentes, harlequin girls, testosterone boys, dançando à meia-luz num salão, parecido com os de gafieira, embalados pela voz esganiçada do Brendon. Aliás, Brendon, querido, você já foi tão sexy, metralhando frases quilométricas em tempo recorde, era lindo, cara. Que merda é essa de ficarem de baladinhas agora? Até aquela criatura estranha que é o Ryan tá cantando melhor que você. Acho que começou o processo de Beatletificação por aí. Daqui a pouco eles te colocam um par de baquetas na mão e eu quero ver você se virar com os pratos.

You are so starving sim. E essa história de you don't have to worry, we're still the same band foi a brincadeira mais sem-graça que alguém já fez. E eu espero que vocês tenham feito de propósito, pela ironia, porque, se não, amigos, desisto de vocês.

Beijo me liga.

(E se alguém comentar “eu disse”, ou “eu já sabia”, ou “essa banda sux” morre).

Juno

2008-02-06T21:17:00.000-08:00

- - - de _Tereza, para o na Vitrine.

Se você for parar pra pensar, o grande mérito de Juno não é a atuação brilhante da protagonista, ou o ritmo impecável do roteiro, ou a trilha sonora pra lá de kick-ass, mas sim que daqui a uns anos, quando meus futuros filhos me perguntarem como eu era quando adolescente eu só vou precisar mostrar esse filme pra eles. E se algum perguntar se eu tive um filho com 16 anos e dei pra adoção eles vão mais que merecer um tapa na orelha, porque sério, não é essa a questão do filme.

Juno é talvez o filme mais geracional dos últimos tempos, e mostra que talvez nem tudo esteja perdido, porque crescer hoje em dia, ser uma menina hoje em dia, não é tão ruim assim.

Você pode ser sarcástica e ao mesmo tempo uma romântica idealista, você pode achar graça nos adultos a sua volta e ainda sim se sentir perdida quando eles te decepcionam, e sim, esqueçam essa historia de ser platonicamente apaixonada pelo atleta da escola, pois como diria o produtor de Heroes, o século XXI pertence aos geeks, e se o seu melhor amigo é um desses e ainda por cima te acha linda não importa como, esse é seu cara.

Eu estava lendo crítica de um cara, em que ele perguntava onde estavam garotas como a Juno no highschool dele. Eu só posso dizer, década errada amigo, porque eu conheço tantas Junos que nem tem graça. Não é que eu e a Juno sejamos a mesma pessoa (ela é tranquila demais, na sua situação, pro meu gosto), mas somos definitivamente o mesmo tipo de pessoa.

Porque ficar falando em mais gírias do que palavras de verdade em uma frase e ainda assim demonstrar inteligência é um truque complicado, mas não impossível. Ou então discutir mestres do terror italiano ou o melhor ano pra se ser roqueiro (pra Juno é 77, pra mim, algo entre 65 e 68) sem parecer pretensiosa ou full of shit. E ainda assim nós temos um coração.

Eu percebi que esse filme deve surpreender aqueles que ainda acham que nossa geração se espelha em figurinhas como Regina George ou Marisa Cooper, quando na verdade a gente quer se distanciar dessas pessoas o máximo possível. The beautiful people é boring, o que tá na moda é ser quirky, expressão em ingles que eu nem sei muito o que significa, mas que aparentemente tem a ver comigo.

Pra qualquer um que assistou um episódio sequer de Veronica Mars nada em Juno deve ser além de familiar, porém não deixa de ser extremamente agradável de assistir, com sua história agridoce que tem um final feliz tão bonitinho que dá vontade de suspirar. E flanela é tudo de bom!

Avatar - A Lenda de Aang

2008-01-31T17:39:00.000-08:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Ah, Avatar...

Primeiramente, o mais importante: Avatar não é anime. Avatar é uma animação americana com o custo de 1 milhão de doláres por episódio (de acordo com meu primo, Felipe Benévolo, formado em comunicação social na UnB) e foi co-criado por Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko com as bençãos dos estúdios da Nickelondeon (o que na minha opinião, teve seu *** salvo por esse dois gênios) e é simplesmente o máximo!

Avatar é a união perfeita do que tem de bom em um cartoon, com o que tem de bom em um anime. Piadas inteligentíssimas, beijos (conta nos dedos quantos animes você já viu com beijos, mas daqueles de verdade, não os selinhos idiotas que Karekano tem), romance, cenas de ação hiper-mega bem feitas, sonoplastia de qualidade e personagens fodásticos.

O Zuko é tudo na minha vida, o Tio Iroh comanda, a Azula é muito louca, o Aang é engraçado, o Sokka é hilário, a Toph é demais (como ela mesma diz), a Katara é de boa, eu adoro a Ty Lee e a Mai e isso é pouco. Enredo e narração viciante, desenrolar dos acontecimentos de não querer levantar da cadeira e enfim... Meu estômago revira só de pensar que eu fiquei de fora de um projeto lindo como esse... É tanto esse tipo de coisa com que eu quero trabalhar...

Eu nem vou falar da história, porque eu quero que vocês vejam por si mesmos. Vale a pena se surpreender.

E sim, o menino tem uma seta azul na cabeça. Eu descobri que muita gente tem preconceito com o desenho por causa disso, mas acreditem a seta é totalmente ignorável e justificável.

Só para constar que eu tive um sorte enorme de conhecer uma hacker da net que colocou toda a 1a e 2a temporada para mim em 4 DVDzinhos. Sou eternamente grata à ela...

10 CDs que eu não aconselho morrer sem tê-los escutado (Lado B)

2008-01-15T07:18:00.001-08:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

6. Barulhinho Bom (Marisa Monte)

Devido sua influência, importância e popularidade, Marisa Monte já se tornou um clichê, não levando para o lado pejorativo da coisa. Poucas foram as cantoras nacionais que adquiriram tamanho prestígio. Barulhinho Bom é uma compilação de gravações ao vivo de seus então maiores sucessos, óbvio, e algumas novas músicas de estúdio (dessas, poucas de maior relevância). O set-list do show e, mais importante, os arranjos inéditos fazem desse CD um "imortalizável".

|> preview

7. Daqui pro Futuro (Pato Fu)

O último trabalho do Pato Fu, com quê de alternativo por ter sido divulgado e vendido via internet, sem produtora e tudo o mais. De qualquer forma, considero como um dos melhores CDs da banda, não por possuir as melhores músicas, mas por só ter músicas boas.

|> preview

8. Le Tango des Gens (Sanseverino)

Um CD de inspiração jazzística, mas com sonoridade muito próxima a das chansons française. Não preciso nem dizer por que eu amo esse cara, né? Com sua voz rouca, seu falar apressado, ele canta na língua dos apaixonados canções cômico-satíricas ou simplesmente inconvenientes. C'est super.

|> preview

9. Underground - soundtrack (Goran Bregovic)

Trilha sonora do filme de Emir Kusturica que, para ser sincero, nunca vi. Fiz o download desse CD meio que por acaso, nem sabia o que era e, quando ouvi, foi paixão à primeira vista. Primeiro, pela força da percussão, são músicas bem ritmadas e alegres, mas, principalmente, pela nacionalidade bósnia do compositar Goran Bregovic. Sempre tive uma admiração especial pela música árabe e existe uma grande ligação aqui. Sei que bósnios não são necessariamente árabes, mas existe uma semelhança de culturas porque ambos são grupos étnicos predominantemente mulçumanos (espero que eu não esteja falando besteira). Anyways. Essas aqui são magiares.

|> preview

10. Idem (Móveis Coloniais de Acaju)

O estilo desses caras? Bem, eles tomaram a iniciativa e adotaram o termo "feijoada búlgara" para a pergunta. A verdade é que o Móveis Coloniais de Acaju não se resume a um único estilo. Dentre as principais tendências em sua música destacam-se o rock, o ska, algumas levadas de samba, influências de ritmos do leste europeu (como Emir Kusturica & the No Smoking Band), e, ahm, como eu posso dizer?, música de circo. Usando timbres bem abertos de metais em consonância com levadas inconstantes e até mesmo esdrúxulas de bateria, o "Móveis..." vem se destacando e crescendo de forma surpreendente no cenário independente brasiliense, conquistando já fãs por todo o Brasil.

|> preview

10 CDs que eu não aconselho morrer sem tê-los escutado (Lado A)

2008-01-14T14:20:00.000-08:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

1. Back to Black (Amy Winehouse)

Foi com esse CD que a carreira da inglesa Amy Winehouse adquiriu proporção internacional, a partir do frissom causado por Rehab. Não é pra menos: a cantora mostra uma voz poderosa e arrebatadora, uma fusão muito madura de ritmos como o jazz, black music, hip-hop e soul. Imperdível mesmo.

|> preview

2. International Velvet (Catatonia)

A banda galesa Catatonia separou-se em 2001, mas deixou um trabalho valioso para o atual noise, sendo uma divisão de marés entre o pop e o indie. A voz rasgada de Cerys Matthews e as letras complexas, repletas de intertextualidade e paralelismos são marcar do estilo.

|> preview

3. Roda de Funk (Funk Como le Gusta)

Funk como le Gusta é o protótipo de Big Band que adquiriu maior influência no cenário da música nacional. Acrescentando aos já consagrados soul e jazz a estrutura e a energia dos ritmos latinos, Funk como le Gusta reinvintou o seu próprio conceito de funk muito antes da atual imposição da mídia das levadas correntes nas favelas cariocas. Esse CD conta com a participação de Fernanda Abreu e Sandra de Sá.

|>preview

4. The Libertines (The Libertines)

A banda surgiu na virada do milênio, entrando na onda do pós-punk assim como The Strokes, Arctic Monkeys e o já estabelecido The Cure. O CD é um ótimo repositório de baladas e de músicas dançantes, fungindo, no entanto, da superficialidade.

|> preview

5. Bloco do Eu Sozinho (Los Hermanos)

Antes de adquirir repercussão nacional, a banda de Marcelo Camelo passou por diversas fases: começou hardcore, tentou flertar com ritmos latinos (daí o nome Los Hermanos), foi se tornando mais doce, romântico e explodiu com o sucesso abrupto do hit Anna Júlia, de seu primeiro CD. Bem, Bloco do Eu Sozinho foi o CD sucessor que veio pra dizer que "Então, galera, Los Hermanos não é bem isso". O lirismo das letras não abandou o repertório da banda. No entanto, o "Bloco..." trouxe um material sonoro de notória riqueza harmônica, um uso acentuado de metais e uma liberdade rítmica inovadora. Considerado por muitos como o início do verdadeiro Los Hermanos, Bloco do Eu Sozinho resume bem o que esses ~~mineiros~~ cariocas têm a oferecer: Euforia e Melancolia em perfeito sincretismo.

|> preview

Continua...

Go, Speed Racer, Go Speed Racer, Gooooo!

2008-01-11T07:48:00.000-08:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Então, apresentar trailers é divertido.

Gostei do casting e da adaptação, com cenários mais coloridos e aposto que Christina Ricci vai deixar a Trixie menos chata. E eu arrepiei toda quando a música tema tocou no início.
Eu adorava o anime quando criança *.*

Batman Dark Knight - Trailer Oficial

2007-12-18T14:54:00.000-08:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Data de lançamento mundial: 18 de julho de 2008

Um trailer muito bom, mas estranho porque não mostra muito o Bruce nem o Batman, só focando no Coringa que Heath Ledger interpreta maravilhosamente bem (será que supera o de Jack Nicholson?).
Interessante o casting desses filmes. O Christian Bale ficou ótimo, Michael Caine é o melhor mordomo ever, assim como Cillian Murphy e Liam Neeson nos papéis de vilões do primeiro filme... Mas eles simplesmente não conseguem acertar na heroína... Em Batman Begins, aquela sem-sal-açúcar-ou-qualquer-outra-coisa da Katie Holmes e agora essa Maggie Gyllenhaal, que ficou até bem legal em Mais Estranho que a Ficção mas não acho que encaixa no clima que Dark Knight deveria passar.

Mas mesmo assim... Just can't wait!

Some Kind of Wonderful

2007-12-09T09:57:00.000-08:00

- - - de _Tereza para o na Vitrine.

Jonh Hughes é o diretor/produtor/roteirista por trás de grandes clássicos teens dos anos 80, como Gatinhas e Gatões (Sixteen Candles), Curtindo a vida adoidado (Ferris Bueller´s Day Off), O Clube dos Cinco (The Breakfast Club) e Mulher Nota Mil (Weird Science). Seu estilo influenciou toda sua geração e a seguinte, sendo que seus clichês se encontram desde Te pego atrás da escola, Patricinhas de Beverly Hills e até o mais recente Mean Girls.

Dito isso, eu sempre me senti um pouco alienada que meus dois filmes favoritos do gênero, embora influenciado por Hughes, não têm ligação direta com ele. Namorada de Aluguel e O Menino que Sabia Voar são dois filmes "menores" o segundo até divergindo pra uma semi-fantasia, mas eu não posso evitar, a romântica dentro de mim adora um Peter Pan e tem uma certa coisa por cemitérios de avião. Na minha opinião, "Namorada ..." tem a melhor cena final da história do cinema e a trilha sonora tem até Beatles.

A maioria das pessoas que eu conheço considera Ferris o melhor do gênero, e eu nunca neguei isso, é muito bom, só não é o meu favorito. E depois que eu vi Pretty in Pink eu cheguei a conclusão que prefiro Hughes como lançador de tendencias do que como cineasta. Isto é, até ontem.

A primeira vez que eu ouvi falar em Some Kind of Wonderful (que em português tem o tosquíssimo nome de Alguém Muito Especial) foi em Gilmore Girls, a Lorelai descrevendo o filme e apontando como um dos seus favoritos, junto de The Way we Were e Nasce Uma Estrela. Bom gosto indiscutível. Some Kind of Wonderful é oposto complementar de Pretty in Pink. Ou seja, é bom.

Ambos os filmes tem como foco um triangulo amoroso, entre o protagonista, classe média baixa americana com tendências artistícas, o objeto de desejo dele, popular e/ou rico cercado de babacas, e o melhor amigo, que de repente se descobre apaixonado.

As diferenças são basicamente de gênero e de tom. Some Kind of Wonderful é sobre um menino e duas garotas e é provavelmente o filme mais sério de Hughes e Pretty in Pink, o vertice é uma menina e ainda é dado a cenas bobas ou surreais.

Eu acho que o fato de SKoW ser tão melhor pra mim é que é muito mais fácil de me identificar com a tomboy, que é apaixonada pelo melhor amigo, que por sua vez é apaixonado pela menina mais popular da escola, do que alguém que está presa entre dois babacas, o melhor amigo que é o tipo de patinho feio que nunca vira cisne, e o covarde mor da escola, que convida e depois desconvida ela pro baile, supostamente porque ela é pobre. E eu devo achar isso bonitinho, romântico? Idiota isso sim.

O engraçado é que a melhor amiga, Watts (Mary Stuart Masterson) é muito mais bonita que a popzinha Amanda Jones ( Lea Thompson), mas isso pode ser porque eu sou total sucker por meninas de cabelo curto. O protagonista, Keith Nelson (Eric Stoltz), também é all kinds of hot, e olha que eu nem gosto de ruivos, mas fazer o quê, ele é parte pintor, parte mecânico e tem uma cena que focalizam nas mãos dele sujas de graxa que simplesmente, ai ai.

Todos os tres atores tem química das melhores, e todos dão performances acima da média, mas é Masterson que rouba o show, toda cena em que ela aparece é impossivel desviar atenção pra outra coisa. Ela mostra despespero e paixão não corespondida com graça e dignidade dificeis de alcançar. E ela é simplesmente adoravel.

Os coadjuvantes são top de linha. O pai, mistura de orgulho e preocupação tem um gosto de realidade dificilmente apresentado em filmes do gênero, e a irmã pentelha é o alivio cômico na medida certa. Mas o meu favorito é o Duncan, a princípio bully que no final se torna amigo do nosso herói.

O filme é um romance, sim, mas é também sobre as coisas que você deve fazer pra se tornar a pessoa que você deseja ser. As vezes é ir numa festa sabendo que você vai apanhar dos amigos atletas do ricaço da escola, as vezes é descobrir que se pode viver sem pegar emprestado coisas de pessoas que nem gostam tanto assim de você, ou ás vezes é servir de chaufer para o encontro do amor da sua vida com outra pessoa, mesmo que isso parta seu coração.

A trilha sonora, que há uns anos atrás seria considerada brega, nessa moda oitentista de agora é nada além de muito cool, com versões sintetizadas de Rolling Stones e Elvis Presley.

E apesar de o final ser realmente apressado, esse filme supera o gênero e entra pro hall daqueles que você pode assistir vinte mil vezes sem nunca enjoar.

PS: A cena do primeiro beijo pode ser considerada no mínimo antológica.

A Loja Mágica de Brinquedos

2007-11-21T16:33:00.000-08:00

- - - de Tereza _, para o na Vitrine.

Já faz um tempo que eu deixei de assistir filmes teoricamente infantis no cinema. Deixa eu reformular, sim eu assisto desenhos, sim eu assisto épicos de fantasia e meu, nenhum filme do Tim Burton pode ser considerado infantil. Mas em relação a "Terabitas" e "Oh não! Ficamos presos no aeroporto no Natal", é, eu prefiro esperar pra ver na tv (e sim, eu vou assistir quando passar).
Mas quando eu vi que "A Loja..." tinha o Dustin Hoffman e a Natalie Portman ultra-cute com cabelo de menininho eu não podia não assistir. Depois eu ainda descobri que o roteiro foi escrito pelo mesmo cara de Mais Estranho que a Ficção.
Perfeito, não? Eh, não...

O negócio com esse filme é o seguinte, ele tinha potencial pra ser o melhor filme de todos os tempos, mas acaba sendo uma decepção. Primeiro, enquanto eu assistia o filme eu notei que a direção era no mínimo estranha, algumas cenas duravam um segundo a mais do que deveriam e os closes eram muuuuuuuuuuuuiito justos. Assim, eu sei que a Natalie Portman é uma das criaturas mais fofas que já pisou na terra, mas eu não preciso ver todos os poros do rosto dela pra perceber isso. E ninguém precisa de tanto CGI pra entender que a loja é mágica. Sinceramente as cenas mais simples são as mais bem feitas, será que ninguém nunca ensinou pra esse diretor que menos é mais?

Depois, o roteiro, de que adianta ter personagens carismáticos, e isso eu não questiono, se a história não tem propósito? O Jason Bateman faz supostamente o antagonista do filme mas tudo que ele faz é discutir um ponto com a Natalie: "Eu não acredito que a loja é mágica" "Isso é porque você é um contador sem coração. Acredite em mim, ela é mágica, eu sei disso porque eu sou música, portanto superior emocionalmente a você" "Okay, eu acredito, agora eu vou abraçar macaquinhos de pelúcia" E é isso! Todo mundo faz esses discursos grandiosos pra convencer outras pessoas de coisas completamente óbvias. Esse é o filme.

O menino que é, também, ultra-fofo, não consegue ter amigos e tem uma coleção de chapéus destoa um pouco da história, embora seja o narrador, mas o arco dele não é finalizado, de nenhum dos personagens é, porque o filme acaba do nada. Mas do nada mesmo. Eu já vi filmes terem finais abruptos, mas um igual esse, nunca.
Será que nunca ninguém ensinou ao roteirista que histórias precisam de conclusão? Não, sério, quem que termina um filme em seu climáx? A impressão que eu tive é que o cara tava escrevendo, chegou nessa parte, não conseguiu pensar num final decente e decidiu terminar por ali mesmo.

Falando assim, até parece que é o filme é o pior do universo, o que não é verdade, tem suas coisas boas (uma delas é o figurino da Natalie Portman, eu quero todas as roupas dela pra mim), mas é só que podia ser tão melhor. Sigh... Nem a trilha sonora salva.

Gossip Girl

2007-11-09T06:46:00.000-08:00

Warner Channel, às quintas-feiras
20:00 h

de Renata, para o na Vitrine.

Eu que vou quebrar o hiatus de mais de um mês? Que legal!

Na nova safra de séries que estréiam este mês na Warner, um elemento em particular chamou a atenção desta vestibulanda levemente irresponsável.

O draminha Gossip Girl. Óbvio substituto de O.C (e seu final intragável) para o público pré-adolescente (que espera ansiosamente que suas vidinhas sem-graça se tornem tão emocionantes quanto às da televisão) e adolescente mesmo (que sabe que não daquele jeito meeeesmo). No entanto, Gossip Girl, baseado no livro de título homônimo da autora Cecily von Ziegesar, vai muito além de substituir O.C.

Gossip Girl é O.C.

Sim, houve algumas alterações. Deixem-me explicar em dois tópicos:

1 - O cenário. Em vez das praias quentes da Califórnia e suas mansões com chão de mármore encomendado da Espanha, que fornecia garotas esculturais desfilando em biquínis e shortinhos de 15.000 doláres, temos a fria Nova York e seus prédios chiquérrimos cujos alugueis alimentariam crianças africanas por anos a fio, e garotas esculturais desfilando em casacos pesados feitos de sabe Deus o que, mas com preços acima de 30.000 doláres, sem dúvida.

2- As personagens. O centro da série é Marissa Cooper, que voltou do túmulo com um pouquinho mais de simpatia e miolos, dessa vez na pele de Serena van der Woodsen (Blake Lively), mas ainda sendo o sonho de consumo de todos os seres vivos que a rodeiam e questionando sua existência nos goles de álcool que toma por dia.

Serena-Marissa, no início do primeiro episódio, acaba de voltar para N.Y de um colégio interno onde tinha ficado por meses, sem dar satisfação a ninguém, inclusive sua melhor amiga, Blair Waldorf (Leighton Meester), ou Summer Roberts, se vocês preferirem.

Blair-Summer também mudou um pouquinho, está bem menos tolerante e bem mais irritante porque não tem mais seu Seth Cohen a tiracolo. Blair é praticamente casada com Nate Archibald (Chace Crawford) uma personalidade nova na trama. Ele faz um papel de pobre-menino-rico que me surpreendeu (de tanta pateticidade). Como vocês já devem perceber, Nate morre de amores por Serena e já no primeiro episódio descobrimos que o exôdo de Serena para um internato em Conneticut tem muito a ver com isso.

Ryan Atwood e Seth Cohen se fundiram no melhor personagem apresentado até agora: Dan Humphrey (Penn Badgley). Dan tem a coragem de um e a comicidade do outro e vem com um novo acessório, sua irmãzinha Jenny Humphrey (Taylor Momsen), que graças a Deus não é nada parecida com Kaitlin Cooper ( a irmã da Marissa original, que era tão chata que dava vontade de morrer e matar) e é caloura no colégio onde todos esses adolescentes de 25 anos estudam. Dan também lambe o chão onde Serena pisa, mas no primeiro episódio, pelo menos, ele recebe uma pequena recompensa por isso.

O vilão é Chuck Bass (Ed Westwick). Ele não é de sair batendo em quem não é bem vindo em seu território mas diverte-se em acumular conquistas e seu troféu mais desejado e ainda não adquirido é adivinha quem?

O resto é igual. Os pais dessa galera (cujos atores devem ter no máximo, uns 35 anos) se dividem novamente entre os pólos do bem e do mal que o dinheiro constrói. As mães ainda se preocupam com a aparência das filhas (além das próprias pontas-duplas) e os pais ainda se dobram e desdobram nas artimanhas de poder que constituem as mega-empresas americanas. Sandy Cohen porém, virou um rockeiro fracassado gatíssimo, pai de Dan e Jenny. Mas o engajamento social da série ainda é fornecido por ele. Kirsten Cohen não apareceu e acho que ainda vai demorar para ela dar as caras. Fugiu de casa, a procura de si mesma, aparentemente.

E tudo isso é narrado pela Gossip Girl. Uma espécie de Big Brother da elite de Nova York, onipresente, onisciente e a terceira coisa que Deus é. A voz desse site que todos os High School Kids acessam esperando ver uma pequena menção de si mesmos é da atriz Kristen Bell, a mesma protagonista de Veronica Mars, que a Tê tanto ama

Bom, não preciso falar muito da trama não é mesmo? Americanos jovens, ricos e bonitos e suas situações quase tão catastróficas quanto o Tsunami na Ásia.

Pode não parecer, mas esse post é uma recomendação. É que eu gostava de O.C sabem..

P.S nada a ver com o post. Eu só queria fazer um comentário já que estamos falando de séries e ver se vocês concordam comigo. Eu estava assistindo alguns episódios antigos de FRIENDS e eu acho que o Ross tinha mais razão que a Rachel. Eles tinham dado um tempo e ele estava devastadoramente arrasado e bêbado. Ela é uma exagerada egocêntrica e tinha saído com o Mark no mesmo dia que tinha brigado com o Ross. Eu perdoaria e pouparia mais de sete temporadas de enrolação para que eles ficassem definitivamente juntos.

Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso)

2007-09-30T18:23:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Um dos maiores acertos da academia cinematográfica no preciso ano de 1989 foi premiar com o Oscar de melhor filme estrangeiro Cinema Paradiso. Assim, algumas locadoras acabam até considerando a possibilidade de mantê-lo em circulação (na verdade, isso sou eu tentando liberar minha agressividade contra as locadoras de Águas Claras).

Voltando. Eu pensei, na verdade, em postar outra coisa hoje. Uma lista de motivos de por que você não precisa assistir a O Segredo. Mas lembrei que alguém (não vou citar) amou esse filme e resolvi ficar frio. Falar de Cinema Paradiso é muito mais propício, simplesmente pelo fato de esse filme ser maravilhoso.

Qualquer pessoa que se considere minimamente cinéfila tem obrigação tácita de assistir-lhe. A história do cinema antigo é o plano de fundo marcante na trama. Totó (Salvatore Cascio e Jacques Perrin), um bambini italiano nascido na década de 50 (ou 40, mas a história é em 50), tem grande curiosidade pelo ofício de Alfredo (Philippe Noiret), quem opera os projetores de um cinema local. As sessões, cujos filmes são sempre submetidos à censura da igreja, reúnem toda uma comunidade de forma muito diferente das atuais. O cinema é uma distração para o povo, para as massas, e a bagunça é generalizada.

Outras questões também acompanham o desenvolvimento de Totó. A escola, a relação com a família e o seu futuro, em busca de algo que sempre exerceu fascínio sobre ele, além, como sempre, da descoberta do amor.

Mas o mais importante é a simplicidade do filme. A trilha sonora muito fluída do renomado Ennio Morricone soma-se à beleza sutil das imagens, e até das mudanças de foco na própria narrativa.

Cinema Paradiso não apenas fala de cinema, mas é uma das produções mais vigorosas dele próprio. Sua ambientação faceira lhe dá sentido e nos traz, mais uma vez, a imperiosa importância do cinema europeu.

Sassaricando, e o Rio Inventou a Marchinha

2007-09-23T18:58:00.000-07:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Então... Sabem uma coisa que eu detesto? Carnaval.

Sabem outra coisa que eu detesto? O Rio de Janeiro.

Mas, por motivos que nem a ciência explica, eu gostei muito da peça que vos indico.

Trata-se de um musical brasileiro, que apresenta com muito bom gosto as músicas já abandonadas pelas festas atuais (e abomináveis, diga-se de passagem) do carnaval, as marchinhas.

Elas são o tipo de canção que você passar a gostar no momento em que escuta. Desacostumado ou não, você se empolga com o ritmo e a melodia, composta de rimas bem humoradas, cativantes e inteligentes.

Nessa peça participa um roqueiro brasileiro, já não do nosso tempo, mas que minha mãe afirmou com todas as letras que foi o uó da juventude dela. Eduardo Dusek, um coroa simpatíssimo e com muita presença de palco, lidera a apresentação de mais de duas horas.

Porém, o tempo corre contra quem ainda desejar assistir essa peça. O próximo fim-de-semana será o último e eu sugiro que vocês se apressem e estejam postados na frente do teatro da CAIXA Cultural - SBS Quadra 4, lotes 3/4 na quinta-feira 27 de setembro, às uma da tarde, se querem não só um bom lugar, mas um lugar mesmo, porque digamos... está bombando!

Agora eu sei porque Carnaval tem tanta tradição. É porque já foi muito bom!

A Menina Ícaro

2007-09-22T06:27:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"Pare. Não há nada.
Só eu, e eu peguei você."

Esse foi um dos livros mais surpreendentes da minha vida. Não pelo enredo em si (inclusive, não gostei nem um pouco do final), mas pela forma como ele é escrito. É simplesmente indizível o poder que Helen Oyeyemi, com não mais de 20 anos, possui sobre as palavras, misturando poesia com prosa e sensações muitíssimo nítidas.

A Menina Ícaro é a história de Jessamy Harrison, a Jess. Uma menina de oito anos, com um mundo muito próprio, caracterizado pelo medo de quase tudo que, muitas vezes, a leva a terríveis ataques de gritaria. Jess vive contradições nítidas em sua vida, como conviver com sua dupla naturalidade, nigeriana e inglesa; e presentes até mesmo nas relações díspares com o pai e com a mãe. Jess é uma menina bastante inteligente. Seu passatempo? Ler Shakespere com a mãe. No entanto, existem barreiras muito maiores que a própria mente que a impedem de se sentir confortável na escola. A convivência com as garotas brancas, provavelmente.

E então, presa nesse turbilhão de inconveniências, Jessamy conhece Tilly-Tilly. Uma amiga que lhe entende. Mas, quando Tilly-Tilly passa a lhe mostrar como é fácil magoar as pessoas, Jessamy percebe que não sabe quem é sua melhor amiga.

Além da carga emocional muito forte, as descrições por todo o livro, valorizando de maneira invejável todos os outros sentidos, além da visão, fazem de A Menina Ícaro um romance insubstituível, de um terror sutil e de um desespero maior que muita objetividade por aí.

O ano em que meus pais saíram de férias

2007-09-05T09:05:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Um filme sobre infância, futebol, judaísmo, repressão e ditadura. E de repente parece que você está assistindo um desses filmes sensíveis italianos sobre a guerra. O que faz sentido, porque eu sou da opinião que em termos emocionais e artísticos o que mais se aproxima da guerra pro Brasil, e talvez para a América do Sul, seja a ditadura. Por isso é um tema tão revisitado.

E apresenta algumas inovações. São poucas explosões, as catarses são silenciosas, poucas vezes óbvias, o que dá uma qualidade diferente pro filme. O Cao Hamburguer é um bom diretor, principalmente de imagens, ele sabe onde colocar a câmera, sabe o que filmar. E a fotografia é primorosa, o ritmo nervoso quando tem que ser e estático, quase agoniante quando é necessário.

O maior problema do filme, sinceramente, são as atuações. Ou melhor, os diálogos. Tem uns que são dificéis de engolir e você pensa que o problema são os atores. Mas não, porque assim que eles calam a boca e só reagem, o filme melhora 200%. Ainda bem que na maior parte do tempo é silencioso.

É um drama, sim, mas tem momentos muito engraçados. Graças a Deus não é daqueles dramalhões forçados.

Uma das coisas que mais me impressionou é o quanto a infância é bem retratada. Filmes costumam ter duas formas de tratamento, ou são crianças hiper precoces que tomam conta dos adultos ao seu redor, ou são debeis mentais que nunca tiveram educação, todos com idade mental de 3 anos. Aqui as crianças apresentadas parecem reais, lembram a minha infância e da dos meus amigos.

Por fim, a metáfora de que o goleiro quem deve estar sempre preparado, embora esteja sozinho até que é sutil. Um filme bom, que tinha potencial pra ser ótimo.

Simpsons - O Filme

2007-09-04T09:21:00.000-07:00

- - - de Renata, para o na Vitrine.

Eu dedico esta postagem ao querido Rafael. Porque eu sei a exata intensidade dos sentimentos dele pelo programa dos Simpsons e tenho uma considerável noção do que ele deve estar pensando ao ver uma matéria sobre eles no blog que ele criou e montou com tanta dedicação e esmero.

Ironia é uma arte. Seu perfeito equilíbrio com aventura, ação, amor, comédia pastelão, crítica social resultou nesta animação que vos apresento e que foi tão prazerosa de se assistir.

Quem conhece a série em seus pequenos detalhes com certeza compreenderá melhor a proposta do filme, mas sem dúvida o divertimento é geral. Mas já devo ir dizendo, na verdade, a peça não passa de um episódio de maior duração, com uma qualidade de animação bem maior e cinco ou seis cenas mais pesadas (para a TV americana, não a nossa). Mas quem reconhece como a série é extremamente boa sabe como isso não é um problema, mesmo.

Matt Groening, o criador do universo simpsioniano (hehe, acabei de iventar essa palavra, eu acho), para mim é um completo gênio. Ninguém jamais revelou com tanta precisão, humor e inteligência, os aspectos (absurdos ou não) da vida típica americana. E tudo através de um desenho animado com mais de 18 anos de duração, onde os brancos são as únicas pessoas com a coloração da pele representada erroneamente.

A trama é simples e bem contada. A cidade de Springfield (sem localização certa, exatamente porque existem milhares de cidades chamadas Springfield pelos EUA) e seus moradores (espelhando o próprio país) ignora seus problemas de poluição ambiental e se torna a cidade mais poluída dos EUA. O governo estadunidense (com um presidente 1% mais competente do que o atual) toma medidas drásticas e tipicamente estúpidas para resolver a questão.

Neste interím, Homer Simpson, o americano mais bem representado da história da Televisão (e agora do cinema!), entra em um grande conflito interno, ao perceber sua incapacidade de ser um chefe de família decente, principalmente para Bart Simpson, que começa a questionar seriamente o abandono paterno. Marge e Lisa representam a sensatez feminina que Matt Groening tanto valoriza. Uma é a eterna esposa dedicada e piedosa, quase santa, e a outra é a filha de cérebro afiado e alma romântica (em algumas cenas eu quase morri de rir, de tanto que meu comportamento parece com o dela).

Para quem assistir dublado, um grande revés: a voz de Homer está alterada, refletindo um sério problema da dublagem brasileira. Apesar de ser considerada uma das melhores do mundo, seus artistas não recebem o devido respeito no ambiente de trabalho. Waldyr Sant'Anna, o Homer verdadeiro, rompeu com a FOX e está a processando depois do uso não-autorizado de sua voz nos DVDs da série. Ele chegou a escrever uma nota oficial aos fãs, agradecendo o apoio e lamentando toda a situação. Consequentemente a falas de Homer ficaram xoxas e vazias, e serão assim daqui para frente, apesar do visível esforço do dublador Carlos Alberto, o substituto oficial.

Altamente recomendado se você quer rir de piadas inteligentes, espertas, rápidas, exageradas, infantis, adultas e que lá no fundo, também parodiam você.

E esperem a cena depois dos créditos, para pensarem em mim.

Qual é o Seu Pedido?

2007-08-14T21:08:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

No último sábado eu fui, depois de constantes indicações da Leila, assistir à peça “Qual é o Seu Pedido?”. O espetáculo, apresentado pelo grupo “Anônimos S.A.”, se trata de uma apresentação um tanto cômica e imprevisível, por ser formada basicamente por esquetes de improvisação. O nível dos atores é impressionante. Muita criatividade e promessa de risos desmesurados é o que espera quem resolver aproveitar a temporada que vai até o dia 18 de agosto.

É claro que, numa situação dessa, em que os atores tem de arriscar constantemente e pôr em funcionamento o máximo de sua criatividade, muito besteirol pode sair. Mas nada que não esteja dentro dos parâmetros que, aliás, são ditados pela platéia. A qual interage do início ao fim. O cenário é uma espécie de bar e os atores seriam os supostos “garçons” prontos para atender todo e qualquer pedido do público. Para pôr ordem à bagunça, são distribuídos alguns cardápios em que os desafios vêm no lugar dos pratos. E com nomes nada convencionais.

A apresentação é organizada na forma de uma competição. Os cinco garçons são apresentados e a platéia “tira” os times. De um lado os verdes, do outro os laranjas e no meio o ator curinga, que participa atuando em ambas as equipes.

O legal da peça é que, a cada nova apresentação, o resultado é sempre novo. As situações mais que inusitadas prometem. Para aqueles que sempre se queixam da programação morna da capital, está aí um ótimo pedido. Faça o seu.

De 10 a 18 de agosto. Sexta e sábado às 21h. Domingo às 20h. Teatro Nacional Cláudio Santoro - Sala Martins Pena. Censura Livre. Ingressos R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia). Antecipados: Chilli Beans e bilheteria do Teatro Nacional. Doadores de 1Kg de alimento não perecível pagam meia. Informações: 8111-7868 ou 3325-6240.

A vida secreta das palavras

2007-08-13T20:28:00.000-07:00

- - - de Tereza_, para o na Vitrine.

Uma mulher loira, não muito bonita, não exatamente feia, com olhos muito mais velhos que o resto do rosto, janta, lava a louça, e se deita sem fechar aos olhos. Ao fundo uma voz infantil relata fatos do cotidiano: ela afaga meu cabelo, me conta histórias, canta pra mim, ás vezes chora... E cena.

Quem é a criança? Quem é essa mulher? Essa é a questão do filme. Ela não fala muito, gosta de ser deixada em paz, mal reage. Apenas sobrevive.

Ela pega um ônibus, duas senhoras discutem Vin Diesel e Van Dame. Conclusão, Vin Diesel é melhor ator, Van Dame talvez tenha mais músculos. Será isso importante? Será que qualquer coisa da vida importa?

A mulher, Hanah é seu nome, é contratada como enfermeira para cuidar de uma vítima de um acidente em uma plataforma de Petróleo que esta sendo desativada.

Longas cenas de dialogo, com cortes que parecem pulos no tempo mas na verdade são voltas. O acidentado é um americano que apesar de temporariamente cego e com queimaduras dolorosas pelo corpo todo, aparentemente não consegue parar de falar. Inicialmente ele destoa do resto do filme, que é escuro, fechado, silencioso, mas ele é um dos personagens mais tristes.

Através de mentiras ela conta verdades pra ele, no que se revela ser um recorte de tragédias. Como apreciar a vida, ser simpático a tragédia de outros, não achar tudo obsoleto, quando a pior coisa do universo aconteceu com você? Quando até a morte é uma benção que te é negada?

Ele é melodramático e carente, ela seca e divertida. Por mais devastadora que seja a história nunca é piegas ou melosa. Tem até seus momentos de leveza. Um mistério é instigado, mas quando for a hora de você saber a verdade será que vai ter estomâgo?

Eu entendo a intenção do filme, é importante que certas coisas não sejam esquecidas, mas será que depois de tudo ainda é possível um final feliz?

A voz infantil acredita que sim, aparecendo numa hora em que já nem me lembravámos dela. Resta saber se nos acreditamos nela.

O filme é ousado, mas não saí dele pensando "nossa, que filme bom" e sim "nossa que filme triste". Será isso o suficiente?

Paris, Te Amo

2007-08-13T09:08:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Lindo, singular e encantador. Esse filme a várias mãos me deixou alegre por dias.

O filme na verdade é uma coletânea de curta-metragens, cada um com diretores e elenco próprios; todos, porém, gravados na Cidade das Luzes. É complicado fazer uma crítica do filme como um todo, uma vez que cada fragmento do texto tem suas próprias qualidades e nuances. Mas o incrível é que não há nenhum curta ruim ou fraco. São duas horas de graciosidade e aquela espécie estranha de nostalgia sobre uma época nunca vivida.

Entre os grandes nomes envolvidos de alguma forma com o projeto estão o diretor Alfonso Cuarón e os atores Natalie Portman, Maggie Gyllenhal e Elijah Wood.

O curta de Cuarón, o segmento Parc Monceau, é um diálogo super bem-feito entre duas personagens que, a princípio, não dá para saber sua relação. O curta que foi gravado em uma única tomada, imagino que tenha aproximadamente 10 minutos, nos leva a deduzir uma história que, na verdade, é outra.

Natalie Portman, uma atriz amadora (no curta, pelo amor de Deus), vive um caso de amor com um garoto cego. A garota, para variar, dá um espetáculo de atuação.

Maggie Gyllenhall também interpreta uma atriz. E seu francês está impecável. Não que eu tenha grandes parâmetros para comparar, mas ela me convenceu totalmente. Ela falava com tanta naturalidade. E, aliás, que idioma gostoso de ouvir, não? É tão apaixonado...

Já Elijah Wood entra num conto de amor para lá de psicodélico com uma vampira, em uma cidade azul ciano. O sangue estilizado da cena, tudo, criou um ar estético tão non-sense em relação aos outros filmes, que acabou sendo um efeito interessante.

Entre outros fragmentos que me encantaram estão o primeiro, que é um encontro não muito casual entre estranhos, o dos mímicos e outro sobre um casal a ponto de se divorciar, quando a mulher descobre que tem uma doença fatal e o marido não tem coragem de partir; é quando eles reaprendem a se amar.

Como eu disse, todos os curtas são muito bons. Tudo é muito bonito e, além da vontade de conhecer a cidade, o filme dá uma vontade muito forte de ser feliz. Comigo, pelo menos, foi assim e funcionou.

imagens em http://adorocinema.cidadeinternet.com.br/

A Saga do Tio Patinhas

2007-08-11T19:34:00.001-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Carl Barks é um dos quadrinistas mais importantes de todos os tempos, e com certeza o mais importante da Disney. Também conhecido como homem dos patos, foi nas mãos dele que o universo de Patópolis e a personalidade atual do Pato Donald tomaram forma. Seu personagem mais complexo porém, sempre será Patinhas McPatinhas, ou simplesmente Tio Patinhas.

Ao longo do seus anos de trabalho Barks deixou várias pistas do passado do pato mais rico do mundo em suas histórias, mas nunca montou uma biografia oficial.

Isso só aconteceu no início dos anos 90, quando a Don Rosa, discípulo confesso de Barks, foi encomendado pela Disney uma edição de aniversário, que pudesse seguir, na medida do possível, a cronologia proposta por seu criador.

Quase 17 anos depois, finalmente chegou ao Brasil uma das mais bem feitas compilações dedicadas ao formato. No estilo americano, papel especial e um puta comentário editorial "A Saga" é um deleite.

Dividos em três livros, as histórias narram desde o jovem Patinhas na Escócia, ganhando a moedinha número 1, até suas aventuras, já como o pato mais rico do mundo, com seus sobrinhos Donald, Huguinho, Zezinho e Luisinho.

Patinhas fez de tudo, foi cowboy, garimpeiro, dingo e grumete. No ínicio tinha ambições modestas, ir para América para conseguir mandar dinheiro pra família, mas a medida em que vai conhecendo o mundo e se desencantando com ele, seus sonhos de grandeza vão aumentando, chegando ao ponto de se alienar quase totalmente.

Mas vou me adiantando. Patinhas começa como um jovem esperto porém, ingênuo que aprende desde cedo que com trabalho duro e perseverança tudo pode ser alcançado. Ele encontra muitos bandidos pelo caminho, inclusive o protótipo do que seriam os irmãos Metralha, mas é apenas com o bandido McMônei, em um dos melhores capítulos da história, que alguma coisa se quebra em suas convicções. Não vale a pena confiar nas pessoas, é melhor se virar sozinho, pois senão você pode ser passado pra trás. Até o dia em que contraria tudo o que foi ensinado e, por puro orgulho, resolve se vingar de alguém que aparentemente não é seduzido pelo dinheiro. Atinge o fundo do poço, e só com muito esforço consegue sair. E isso tudo vem de um pato falante.

Carismático, corajoso, esquentado e muquirana, conhecendo sua família dá pra entender o porque dele ser assim. Além dos pais e das irmãs, vemos seus ancestrais e suas primeiras ligações com a família da vovó Donalda.

A Saga também está intimamente ligada a história americana, misturando os personagens Barkasianos com pessoas reais (Patinhas deu uma surra em todos eles), como Bufalo Bill e o presidente Roosevelt. Inclusive ótima a cena em que sua irmã Hortência, mãe do Pato Donald, dá um sermão em Teddy reclamando o voto feminino.

Os capítulos com Dora Cintilante, o grande amor da vida dele, são altamente sugestivos ("vocês são jovens demais pra isso" afirma o Pato Donald quando seus sobrinhos perguntam sobre ela), e estão entre os melhores. Afinal, como seria um vida de perigos e aventuras sem um romance.

A arte é mais do que maravilhosa, de um realismo impressionante, uma completa atenção aos detalhes, gags visuais fantásticas, algumas cenas parecem que poderiam ser emolduradas. Sem exagero, só as sombras já seriam o suficiente para um estudo artístico.

Por fim, a grande lição é que muito mais importante que o destino, é a jornada. E você está convidado para essa.

21 Gramas

2007-08-07T22:00:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"Dizem que perdemos 21 gramas no preciso momento da nossa morte...todos nós. O peso de cinco moedas. O peso de um pedaço de chocolate. O peso de uma borboleta...Quanto pesa a vida?"

Título Original: 21 Grams
Gênero: Drama
Direção: Alejandro González-Iñárritu

Essa crítica, vou começar pelo defeito: o roteiro. Não quero dizer que ele seja mal feito ou mal trabalhado, mas a verdade é que eu já enjoei disso: recortes de cenas, vindas de espaços, tempos e personagens diferentes, montando um grande quebra-cabeça que só vai fazer sentido no final, à la Crash, O Grande Truque, Babel (por sinal, do mesmo diretor)... para citar os mais recentes, apesar de existirem muitos outros semelhantes. Pra ser sincero, essa é exatamente uma característica que teria feito o Rafael de alguns anos atrás se apaixonar perdida e loucamente pelo filme. Acontece que, não sei, essa receita não me impressiona mais. E quer saber, eu nem deveria ter escrito que isso é um defeito. Eu sei que, nas Artes principalmente, nada se cria; tudo se copia. Esse parágrafo foi tão pessoal que não faz nem sentido. Por tanto, a menos que você tenha se identificado com os meus sentimentos, para você a crítica começa agora.

21 Gramas é um desses filmes de beleza plástica. A câmera tremida, sabe, dá aquele ar de cinema alternativo muito gostoso. E o efeito não engana. É muito bem encaixado. Os filtros de cor também, causando um contraste sutil, uma impressão meio opaca. É tudo muito impressionante e bonito. Mas nada tão na cara. A beleza da fotografia é tênue... Apreciei bastante.

É um filme de impressões. Com símbolos muito fortes. Numa das primeiras cenas, um pai e suas duas filhas pequeninas sentados numa lanchonete, eu senti isso. O close da câmera está num canudo saindo de um líquido negro e borbulhate. A cena vai abrindo e descobrimos, em segundos apenas, que é a criança quem sopra o canudinho para borbulhar sua Coca-Cola. Mas a sensação inicial não era essa. Era de algo mais nojento, eu imaginei que fosse alguma droga, não sei porquê (alguém já ouviu falar em uma droga líquida, negra e borbulhante? Eu não). E, então, as crianças com seu pai. Um jogo muito estranho. Durante todo o filme, tudo permaneceu com a sensação de ser mais bonito do que parecia. Mesmo as cenas fortes, com drogas (de verdade) e sangue.

“Um filme de AMOR, ESPERANÇA e VINGANÇA”, dizia na capa do DVD. Mas, sinceramente, eu não esperaria encontrar muito disso não. Na verdade, por mais que seja uma trama complicada, e personagens profundos, tudo me pareceu justamente sem história. As cenas são ótimas. Mas não há lições de moral, e nem fica tão claro qual era o coração da trama. Eu diria que é, antes, um filme de como a vida passa, de como as pessoas são. Assim mesmo, sem grandes propósitos, como se o tempo simplesmente passasse. Apenas isso. O que não é pouca coisa.

O incrível é que eu sinto que o filme me impressionou da forma justamente oposta à proposta do diretor. Gostei muito das suas qualidades, mas não me surpreenderia se qualquer um achasse essa crítica completamente precipitada.

Budapeste

2007-07-30T20:31:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"O Danúbio, pensei, era o Danúbio mas não era azul, era amarelo, a cidade toda era amarela, os telhados, o asfalto, os parques, engraçado isso, uma cidade amarela, eu pensava que Budapeste fosse cinzenta, mas Budapeste era amarela."

Essa, a frase que me conquistou por duas vezes, ainda na primeira sessão de Budapeste. Não só pelo amarelo (eu gosto de amarelo), mas, espera lá, o Chico tem uma força tão incrível com as palavras e as imagens que ler um livro seu é de tirar o fôlego. É magiar.

Ta aí mais um enredo banhado -- encharcado! -- em metalinguagem. Ao que parece, todo artista tem paixão por isso, dizer-se em si. E em Budapeste temos uma busca constante pela comunicação perfeita, estando o protagonista aqui, em sua fala natal, ou na capital da Hungria. José Costa, um escritor anônimo, nos é apresentado em sua crescente carreira na qual lhe enche de vaidade estar suas palavras sob a autoria de outra pessoa. É quase como um adultério a profissão de ghost-writter, tão séria que nem na intimidade com Vanda lhe é permitido quebrar o anonimato. Mas acontece de esse mesmo escritor parar um dia, meio que por acaso, em Budapeste. Perdido no labirinto de informações húngaras, a única língua, diz-se, que o diabo respeita, um sentido novo desperta nele; e aprender o húngaro parece ter se tornado a sua nova concubina, um objetivo de vida.

Os dois cenários do livro, Rio de Janeiro e Budapeste, implicam também dois idiomas, duas atmosferas, duas companhias, duas necessidades, enfim, duas vidas distintas. Essa dicotomia é nítida. Mas ainda assim, a trilha de fundo de ambos os momentos é a essência do livro, que é a linguagem. O romance suscita falar e escrever. Mais que qualquer outra necessidade, nosso Zsozé Kósta precisa essencialmente desses dois verbos. Sempre para si próprio, porque sua vaidade não permite também qualquer forma de ambição. E qualquer pessoa sensível às artes é capaz de compreender isso. É um livro que só faz fertilizar qualquer forma de criatividade.

Tudo isso em um estilo encantador. Chico Buarque não escreve, desenha palavras, rubrica emoções e faz despertar o prazer de ser artista. Genial.

Harry Potter and The Deathly Hollows

2007-07-27T21:12:00.000-07:00

- - - de _Renata, para o na Vitrine.

Não, eu não vou escrever nada aqui. Sendo eu o primeiro membro do na Vitrine a terminar este livro (há mais ou menos meia hora, e são uma e vinte da manhã), vou escrever uma crítica completa, como se estivesse destinada a este espaço, mas estará realmente no meu Blog, o http://renata-washu.blogspot.com/

Então se você já leu o livro ou não leu e não se importa em saber tuuuuudo que acontece, pode dar uma passada lá, onde mostrarei meu ponto de vista de toda a obra.

Saneamento Básico, o Filme

2007-07-27T20:14:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Jorge Furtado é sem dúvida um dos maiores diretores do atual cinema nacional. Em sua filmografia estão incluídos os notáveis Ilha das Flores (curta), O Homem que Copiava e Meu Tio Matou um Cara, voltando esse ano às telonas com Saneamento Básico, o Filme, uma ótima comédia com elenco de primeira categoria.

O enredo de Saneamento Básico se passa em uma vila humilde de descendência italiana, conhecida como Linha Cristal. Um lugar onde esgoto corre sem planejamento, causando mau cheiro e doenças. Inconformados, os moradores se reúnem numa assembléia para reivindicar investimento da prefeitura, mas não são exatamente atendidos. Não diretamente. Acontece que a prefeitura não possui verba para a obra de infra-estrutura, mas consta no orçamento uma quantia de dez mil reais para a produção de um filme de ficção que, não sendo rodado, deverá ser devolvido para o governo federal. Ante a situação, Marina (Fernanda Torres), moradora de Linha Cristal, topa o desafio de produzir o filme. Lança-se junto ao marido a desvendar o significado da palavra “ficção”, às dificuldades de construir um roteiro, à pelejar patrocínio... E assim, o filme acaba tratando da feitura de outro filme, por pessoas ignorantes, sim, mas com um objetivo nobre: a busca de dignidade.

Mais uma vez, o diretor amarra todo o filme com uma capacidade invejável de construir diálogos. Muitas são as vezes em que várias personagens, Marina e o marido Joaquim(Wagner Moura), em especial, gritam ao mesmo tempo, numa discussão quase infantil, em que o mais importante é fazer barulho. O que provavelmente não teria um impacto tão estampado se não fosse a atuação magnânima dos atores envolvidos. É técnica puramente cinematográfica, que não caberia em uma novela, por exemplo. É quando J. Furtado dá vida ao seu filme, filme mesmo. A tensão e a distração andam juntas, acompanhando também a ingenuidade que as personagens inspiram.

Outro ponto é a interpretação forçada do elenco do filme a ser rodado. Imagine você, sem nunca ter visto um filme na vida, ou, se já, foram raras as vezes, tendo de atuar para a câmera. Mais, com um roteiro simplório e falas irrisórias. O filme é assaz cômico nesses momentos. Porém, ainda resta ao fundo aquela crítica social: o cinismo dos governantes, a forma dúbia em que é remanejada a verba pública.

Resumindo. É um filme inteligente, engraçado, político, metalingüístico, com atores excelentes e diálogos; excelentes diálogos. Com direito até a mensagem ecológica no final. Filme de primeira.

imagens em http://adorocinema.cidadeinternet.com.br/

A Rainha

2007-07-19T18:22:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Título Original: The Queen
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 97 minutos
Site Oficial: www.thequeen-movie.com
Direção: Stephen Frears

Morre a princesa de Gales, Diana, a lady Di, a princesa do povo. E você pensou que o assunto já estava saturado...

Em A Rainha, um dos filmes mais indicados ao Oscar 2006, nos é dado penetrar a intimidade da família real inglesa quando do acidente. Um filme que acaba por redimir, lógico, artisticamente falando, a frieza a qual a rainha Elizabeth II (Helen Mirren) apresentou ao seu povo, insensível à fatalidade; e, por que não?, por pouco não beatificou o recém-eleito Primeiro-Ministro Tony Blair (Michael Sheen).

Longe de qualquer conotação política, é um filme da vida privada da nobreza. Humano e singular acima de tudo. Não é à toa que A Rainha tenha rendido o Oscar de melhor atriz à H. Mirren. De forma belíssima, a personagem principal toma vida na produção. Uma mulher que parece não existir em seus conceitos e fragilidade. Parece não caber no mundo, quando nasceu rainha e mostra uma estranha simpatia ao ato de votar. Talvez até o quisesse, só por experimentar. E, pasmem, até chora.

Não. Não o vejo como um filme político. Vejo-o como a experiência de uma vida irreal, ou não vivível.

Imperdível.

Harry Potter e a Ordem da Fênix

2007-07-18T17:51:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Título Original: Harry Potter and the Order of the Phoenix

Gênero: Drama

Tempo de Duração: 138 min

Site Oficial: http://www.harrypotterorderofthephoenix.com/

Direção: David Yates

O terceiro e o quinto filme da série Harry Potter são os melhores. Por que? Dizem que a maneira mais fácil e eficaz de chamar a atenção do ser humano é através do sexo e da violência. O terceiro filme fala sobre sexo, esse sobre violência. Por que o terceiro ainda é melhor? Bom...

A cena que resume o que é o quinto filme se dá perto do final, quando Dolores Umbridge (Imelda Staunton), sem aviso, sem pensar nas consequencias, com barulho em meio ao silêncio dá um tapa violento em Harry. É isso que David Yates, o quase novato diretor, faz com o espectador, machuca tão rápido que ele mal percebe, mas ainda assim dói.

O filme é político e só por isso já carrega em si a violência. A violência de um governo que manipula cidadãos e a impressa a pensar que a guerra não existe, que tudo não passa de traição, traição à nação, traição à toda uma raça. A negação pode ser a maior das violências e não é por acaso que o Ministro (cargo mais democrático impossível) tem sua foto estampada aos molde de um certo Fuher, só faltando uma suástica para ficar mais claro. Mas Harry Potter é, felizmente, mais sutil que isso.

Até agora foram dois vilões, e ainda nem comecei a falar do Voldemort. E adivinhem, não é tudo mais um plano maléfico para a conquista do mundo, os "mocinhos" fazem mal uns aos outros. O mundo não é mais o que era antigamente.

Voltando a Umbridge, até agora a mais eficaz vilã dos filmes, começa achando que sua influência se dará através do soft power (já viram "O Dia em que o Brasil esteve aqui?") mas perde o controle rapidamente diante da convicção de Harry, uma mentira contada cem vezes se torna uma verdade, mas é mais difícil convencer aqueles que já sofreram demais por causa dela. Sangue mancha a reputação de Hogwarts, finalmente deixando de ser percebida como um refúgio, e não é sangue de batalhas. As palavras são mais fortes do que a espada. Umbridge não é nada burra.

Felizmente Hermione Granger, assumindo posto de segunda protagonista, também não. Acertadamente Yates expande o tempo dela no filme, difícil uma cena em que sua presença, física ou não, não é sentida. Só um personagem complexo como ela compreenderia tudo o que está se passando, e por isso muitas vezes o ponto de vista é o dela, ela observa muito e passa boa parte do filme sentindo e maquinando. Porém como é uma jornada emocional, apenas quando a professora que ela menos respeita é humilhada publicamente resolve tomar uma atitude. A cena é excelente inclusive. Emma é capaz de em alguns segundos demonstrar tudo o que se passa na mente e coração do personagem, sem falar nada. Você quase pode ver a linha de raciocínio e o segue sem grandes problemas. Rebelião é a resposta, quebrar com o sistema que ela tanto ama e tira forças é a melhor saída.

Pode-se argumentar que ela é o cerébro do trio mas aqui ela atua como o coração. Nada deixa de ser racional, mas o que a motiva é o que ela sente, essa vontade de deixar o mundo mais seguro nem que seja as suas custas.

A cena em que o espelho se quebra com a imagem dela refletida diz tudo. Esqueçam aquela antiga Hermione, aquela velha imagem, a nova vai guiar vocês, a nova é uma líder.

Pela primeira vez o filme focaliza na amizade dos três, e talvez por isso pela primeira vez Rony não me irrita. Ele age com um bom amigo que já se acostumou a ser o menos especial da turma e que não se incomoda com isso. As pequenas cenas em que eles estão apenas conversando, coisas importantes ou não, são jóias. A ação fica pra depois, quando Harry finalmente entende que eles estão nisso juntos.

A tensão permeia o tempo todo. É o menos engraçado (e engraçadinho) de todos, a única cena em que eu ri foi a da apresentação da personagem tragicômica Luna Lovegood, não que ela seja uma piada, mas sim porque ela é fodástica demais. Uma sabedoria tão excentrica ficaria ridícula nas mãos de uma atriz menos competente, mas Evanna Lynch dá conta do recado. Ela foi feita para o papel, comparando-se apenas à escalação da Emma, anos antes. Em momento algum perde-se a impressão que ela sabe mais do que todos os outros personagens juntos, até mesmo quando está sendo judiada. Ela já aprendeu a lidar com a violência e daí vem seu charme. Harry tem que aprender dela também.

Não vale muito a pena discorrer sobre Neville e Gina, já que os papéis são mais que secundários. Se eu não tivesse lido os livros provavelmente me perguntaria o que eles estão fazendo quando invadem o ministério, por que eles estão ali. Sejamos francos, os gêmeos tem uma papel mais importante que esses dois.

Quanto ao Harry, acho que concordo com a maioria das escolhas feitas nesse filme. Cortarem as inúmeras crises emo que o rapaz tem no livro e condensa-las em apenas uma foi o melhor caminho, existe assim mais espaço para o crescimento emocional verdadeiro. Finalmente mais confortável no papel de líder (com um empurãozinho de Hermione, é claro) as cenas do DA são uma delícia, se houve algo light foram elas. Mas não devemos esquecer que todas tinham um objetivo maior, defesa, para se defender de Voldemort, mas também para se defender da opressão. Para se defender da violência imposta pelos "mocinhos".

E quando finalmente ele tem que pôr essa defesa a prova, falha na metade do teste. Aprendeu a contornar e evitar a opressão, mas mesmo assim todos seus amigos, seu companheiros de batalha, caem sob jugo inimigo e seus destinos estão em suas mãos. E é hora de fazer a escolha mais difícil, condenar o mundo mágico (e o trouxa) às trevas ou assistir os amores da sua vida serem mortos na sua frente, quando você podia evitar. Harry faz a escolha certa, e mesmo assim paga. Daniel nunca esteve melhor do que na cena do exorcismo, com um gesto, um olhar, ele se torna Voldemort, no outro volta a ser Harry. Novamente, tão rápido e violento que você mal percebe. Você mal respira. E o desfecho é tão desesperançoso que dá vontade de chorar. Chorar pela beleza, não pela tristeza.

Essa é a história básica do filme, mas algumas coisas ainda valem a pena mencionar. Talvez seja confuso entender porque eu afirmei que o terceiro filme é sobre sexo se é nesse que Harry finalmente beija a sem-gracinha Cho Chang. Bom, beijo sem química não significa nada, e se algo falta aos dois é isso. Já a Emma tem química até com um poste então encerro meu caso.

Voldemort é mais assustador quando não está presente, principalmente quando na batalha com Dumbledore fica claro que ele leva certa desvantagem. Gosto mais deles nos sonhos (e que cenas mais lado negro da força são aquelas). Mas eu gosto muito de todo o simbolismo do Voldemort rasgando o poster propagandista de Fudge. Um mau maior.

O filme é pontuado pelo silêncio e pela escuridão, o ritmo é fantástico, sem deixar de ter brincadeiras de câmera e referencias que só enriquecem, esse é um filme de verdade, não apenas uma adaptação de livro. O momento mais barulhento e colorido, protagonizado pelos gêmeos, é logo quebrado pela literal queda de Harry. E que cena é aquela! Sei que câmera lenta é brega, mais funciona tão bem ali! De novo, Emma Watson faz tão bem o papel de protetora.

Saí do filme sem fôlego e com gostinho de quero mais. Esse merece um lugar na estante.

Zuzu Angel

2007-07-16T17:33:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"Se eu aparecer morta, por acidente ou outro meio, terá sido obra dos mesmos assassinos do meu amado filho"

Título Original: Zuzu Angel
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 110 minutos
Site Oficial: www.zuzuangelofilme.com.br
Direção: Sérgio Rezende

Outra pedida nacional. A história real de uma estilista de moda brasileira que perde o filho para a ditadura militar. Ela, a típica cidadã de classe média; ele, o típico adolescente rebelde e idealista. A dor da perda se torna tão grande para Zuleika Angel Jones, a Zuzu Angel (Patrícia Pillar), que, inconformada com a arbitrariedade e o descaso do Estado, acaba também tentando fazer justiça, denunciando as atrocidades que acometeram seu filho.

O filme tem o mesmo clima de Olga, exatamente o mesmo; inclusive o ar de que poderia ter sido bem melhor, bem mais profundo e menos televisivo. Talvez mais estiloso visualmente, destacando cores fortes. Mas não consigo destacar nada de formidável na adaptação. Apenas a própria história de vida dessa mulher.

Minto: os créditos iniciais são de real beleza estética.

No final, é apenas mais um bom filme da Globo.

Ó Paí, Ó

2007-07-14T15:12:00.001-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

"Dê passagem à alegria, nem que seja por um dia."

Título Original: Ó Paí, Ó
Gênero: Comédia
Tempo de Duração: 98 minutos

Site Oficial: www.opaio.com.br

Direção: Monique Gardenberg

Independente de se bom ou ruim, eu não tenho medo em dizer que o estilo de Ó Paí, Ó é uma das coisas mais originais que já pude assistir no cinema brasileiro. E tenho plena noção de que essa inovação pode ter sido apenas causada por incompetência, mas, se a diretora Monique Gardenberg arquitetou propositalmente essa grande confusão, talvez ela seja, simplesmente, gênio.

A primeira sensação pós-filme que me veio foi a de que tinha muito personagem para pouca história. E é verdade. Todos eles, sem exceção, têm participação pífia, e apenas se destacam pela excelente atuação dos atores. O filme faria total sentido se qualquer personagem fosse arbitrariamente retirado. Ponto negativo? Me surpreendi comigo mesmo, concluindo que não; porque o grande protagonista da narrativa é o Pelourinho, com toda sua diversidade humana e contradições sociais. Percebi que o filme não é uma novela, um drama... Não se explorou de forma significativa os conflitos de cada um. Mas, em geral, a crítica foi magnânima ao Carnaval da Bahia. À realidade injusta de um povo cujas necessidades o governo – e a sociedade – vira as costas; mas que todo ano deve sorrir para os estrangeiros. Mostrar o melhor do Brasil, para que tenham o que comer. Destaque, no entanto, para o papel de Dira Paes, Psilene (foto), que volta da Europa depois de um caso com um “gringo” e, ao ser perguntada sobre ele, desconversa. Não nos é dado saber seu real paradeiro, mas ficam claros os motivos que lhe trouxeram de volta para o Brasil.

A trilha sonora do filme é ligeiramente irritante. Com direito à Banda Calypso e tudo o mais. Mas dou o braço a torcer e admito que, nesse caso, os fins justificam os meios.

É o tal filme que os mais demagogos diriam “vender a imagem errada do nosso país, afinal, nos Estados Unidos também existe miséria e violência e eles focalizam as produções limpas”. Bom, é verdade. Mas não quero começar uma discussão política. Estou fazendo uma avaliação estilística, por favor. Só vou pontuar que é um filme de realismo cru e visceral. Quem gosta, gosta. Quem não concorda, paciência.

Também a mim, não foi um filme que disse muito. Não despertou a minha paixão, até por falta de familiaridade com o tema – Timbalada, carnaval... É, não é pra mim. Mas, sem dúvida, marcou.

Ó Paí, Ó não é um filme feito para se perder no esquecimento.

Blood Diamonds (not your blood, of course)

2007-07-13T11:38:00.000-07:00

- - - de Renata, para o na Vitrine.

2006
Diretor: Edward Zwick
Elenco: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly, Djimon Hounsou

Eu sei que é clichê, mas é assim que quero começar essa postagem:

You think you got problems? Think again.

Tá aí uma coisa que eu gosto em filmes sobre as desgraças africanas. Eles mostram, como mais nada neste mundo, como a sua vida É boa. Sua vida não pode a vir ficar boa. Ou você tem uma boa perspectiva de futuro. É e pronto! E você não tem nenhum argumento bom o suficente para provar o contrário. Eu acabei de não encontrar meu nome na lista de aprovados na UnB. Africanos, todos os dias, não encontram os nomes de seus filhos, pais e mães nas listas de sobreviventes das guerras intermináveis que rolam por lá. Eu posso estar me sentindo uma merda no atual momento, desesperada e infeliz. Isso não é nada. Meu sofrimento não é nada.

Enfim, o filme. A história se passa no país, diga-se de passagem considerado oficialmente o mais pobre do planeta: Serra Leoa. E eu já senti um gostinho de como é ser completamente ignorado exatamente por ser pobre e africano... No meu 2o ano participei da Simulação da ONU, Sinus, e fui Burkina Faso, o 2o mais pobre. Ninguém, ninguém, dava lhufas para o que eu tinha a dizer. Imagina na vida real.

É, é, o filme... Ele pode ser hollywoodiano, com algumas cenas de ação e violência, mas acho que é só assim mesmo que a galera presta atenção, então eu aprovei. Leonardo DiCaprio, que há muito tempo perdeu aquela beleza juvenil para dar espaço a um charme maduro que não me fez ficar de joelhos mas ganhou minha atenção, atuou bem como o mercenário que se conforma (até certo ponto) com a vida manchada que leva. Na verdade, eu simpatizei fortemente com ele. Me lembrou muito meu primo Boban, um sérvio criado em Angola que veio morar aqui no ano passado com meus tios. Boban presenciou muitíssimo de perto as guerras civís (Angola e Iugoslávia) e raramente discutiu comigo sobre o assunto, mas seus comentários sempre ficaram em minha mente.

Djimon Hounsou (maravilhoso, na atuação e na aparência, diga-se de passagem) interpreta não só um pescador com um péssimo destino. Para mim, ele simbolizou a inocência e a esperança que muitos africanos devem sentir todos os dias. Ele tinha fé e não raiva. Talvez seja essa a imagem que os grandes estúdios querem passar para nós, os mais afortunados. Povos negros bondosos e trabalhadores, esperando uma intervenção divina em todo o continente. E sabem de uma coisa? Se algum dia, se Deus quiser, eu estarei circulando dentro desse estúdios e estarei trabalhando nessas imagens, porque eu quero essa intervenção. Eles merecem, já se passou tempo demais.

O pequeno e pouco romântico romance entre os personagens de Leonardo DiCaprio e Jennifer Connelly (uma jornalista que quer fazer a diferença). Eu adorei esse relacionamento. Foi realista e ao mesmo tempo sonhador. A sinceridade que prendia a garganta. Achei belíssimo, mas normalmente ninguém vê o que eu vejo, então podem ignorar esse comentário se quiserem.

Por fim, os diamantes. No final do filme, eu perguntei para a minha mãe, que passava pela sala:

- Esse anel que você me emprestou a mais de quatro anos....

- Aham.

- Aham o que?

- São brilhantes.

- Diamantes?

- É.

Imediatamente eu o arranquei de meu dedo. E foi adeus.

E não se esqueçam: TIA (assistam o filme e vocês vão entender).

Jô Soares: escritor.

2007-07-12T21:05:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

O botija mais simpático (leia-se pernóstico) da TV adentrou pelo cerebrino mar da literatura e, pela nobilíssima Companhia das Letras, lançou duas obras primazes.

Acho que me saí bem dando uma de Jô Soares. Quem sabe. Dizem que estilo não se discute...

Independente do vocabulário, eu não diria rebuscado, mas arcaico mesmo, mal-usado e de estrutura repetitiva, O Xangô de Baker Street e O Homem que Matou Getúlio Vargas conseguem, ainda assim, um lugar ao sol. Eu mesmo gostei bastante de ambos. Até cheguei a rir em alguns momentos. Mas, sinceramente, ô carinha enjoado esse Jô!

O Xangô de Baker Street é um delicioso "romance cômico-policial", desenrolado no Rio de Janeiro do século XIX.
Quando um violino Stradivarius é roubado , deixando o imperador dom Pedro II em maus lençóis, sua famosa amiga Sarah Bernhardt o indica um não menos famoso detetive: Sherlock Holmes. Isso mesmo, as lendárias personagens de sir A. Conan Doyle vêm parar em terras tupiniquins para desvendar os crimes do primeiro serial killer da história. Trazendo de forma fictícia-porém-real personalidades como Chiquinha Gonzaga e Olavo Bilac, Jô faz uma reconstrução bastante plausível do passado de nosso país e até das possíveis origens de certas particularidades brasileiras, como a inesperada invenção da caipirinha pelo doutor Watson. A mistura de realidade e ficção caiu muito bem. Além da paródia à literatura policial. No entanto, devido aos motivos expostos acima, o filme é melhor.

Apesar de ser defendido como o livro da maturidade de Jô, O Homem que Matou Getúlio Vargas me parece, porém, ainda mais tolamente rebuscado que O Xangô. Entendam. Eu não tenho problemas com palavras difíceis. Eu tenho problemas com pessoas que se metem a falar difícil sem necessidade. Exemplo: o livro, outra paródia, agora ao estilo bibliográfico, conta as memórias de um anarquista chamado Dimitri Borja Korozec. Certo. Quis o destino que tal protagonista tenha nascido com um indicador a mais em cada mão, logo, o anarquista tem 12 dedos. O nosso amigo Jô, cansado de escrever a palavra "dedo", assim escreveu: "...era causado pelo fato de ele ter doze artelhos." (pág. 169) Quem estiver com dicionários, que não me deixe mentir, porque "artelho" significa podáctilo, ou dedo do pé. Asseguro que a essa parte do livro eu nem lembrava mais dessa peculiar característica. Se ele escrevesse dedo não incomodaria vivalma. Não. Preferiu escrever besteira.
O livro é quase tão divertido quanto o anterior, pelos mesmos motivos. Dimitri é um assassino de tiranos extremamente azarado. Teria sido ele quem quase matou o arquiduque Francisco Ferdinando, o presidente Roosevelt... Além de topar outras personalidades como Marie Curie e Al Capone. Ótima reconstrução épica e engraçado em certos pontos.

Aliás, que o cara é inteligente, disso poucos teriam dúvida. E, no final, eu acredito que o saldo seja positivo. É um livro pra se ler, guardar, e depois, nunca mais. Tenho dito.

Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado

2007-07-09T22:06:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Filmes de super-heróis podem cair em várias categoria. Tem os tão bons que superam o gênero (Spiderman 2, Batman Begins), os que são bons dentro do gênero (Constantine, X-Men), os que são tão ruins que são bons (Elektra!), e os que são ruins ponto.

Quarteto Fantástico se enquadra na última. Que filme mais bobo, sem graça, sem carisma, quase dormi no meio. E nem o surfista prateado, que eu adoro, salva o filme. Os vilões são toscos, os heróis mais ainda. E praticamente não tem roteiro. Só um bando de situações que vão acontecendo ou algo assim

Eu nunca gostei muito deles, mas pelo menos o Coisa costumava ser mal-humorado e carregar um toque de perigo no olhar. Aqui ele é mais manso que um cordeirinho, e ainda por cima, está apaixonado. Por uma cega! Por que ela não se importa com a beleza exterior e assim são um casal *especial*. Lindo não? Tá mais pra vomitável.

E que poderes toscos eles tem, o único que é mais legal é o Tocha Humana, mas ele começa a se sentir, adivinha, solitário. Fica melhor de Playboy. E é muito errado o fato que eu queria que ele desse uns pega na Mulher Invisivel, considerando que eles são irmãos? Ando assistindo muito Heroes.

Todos os personagens são unidimensionais e eu acho que eu recebi tantas lições de moral em uma hora e meia capazes de encher um livro de Esopo.

Uma coisa legal do filme todo é a luta do Tocha Humana com o Dr Doom, mas ela acaba mais rápido do que comçou. Nem posso falar que estou decepcionada, não esperava grandes coisas mesmo, mas esse me surpreendeu. Horas da minha vida que eu nunca mais vou recuperar. Só espero que eu não vire uma ladra de identidades por aí.

Oh, well, eventualmente a gente tem que odiar alguma coisa.

TABLADO - seu guia de bolso

2007-07-09T21:33:00.000-07:00

- - - de Priscilla, para o na Vitrine.

Eu me lembro de tempos remotos em que eu ia com meus pais ao cinema e saia correndo logo para buscar aqueles folhetinhos de filme. Eu não estava interessada em saber a programação do cinema ou conhecer a história do filme, apenas queria passar o tempo lendo aquelas piadinhas que, no final das contas, eu sempre achava super sem-graça. Pelo que eu via, muita gente fazia isso, não era uma revistinha lá muito útil.

Por acaso, há uns meses folheei uma nova revistinha de cinema que agora se chama "Tablado". Que incrível! Além de bastante organizada, a revista trás não só sinopses de filmes como sugestões de teatros, espetáculos de dança e propagandas super culturais. E o melhor, ela não tem piadinhas, risos (só umas tirinhas que, de vez em quando, até são bem-humoradas).

O Tablado promete: em breve, um portal cultural. Ele já tem um endereço, porém ainda não está em funcionamento. A quem se interessar por dicas de cultura (esse post tá uma metalinguagem danada) está aqui o endereço http://www.tablado.com.br/

Façam bom proveito.

Ratatouille

2007-07-09T10:40:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Ah, Paris (com sotaque francês), junto com Nova York, é aquela cidade que você ama sem nunca ter visitado. E Ratatouile só instiga essa paixão platônica. Afinal, se até um rato pode se vislumbrar porque com você seria diferente? E se vamos falar de Paris, duas coisas não podem faltar, comida e l´amour.

A Pixar é hiper genial, porque consegue fazer com que a comida que um rato prepara pareça muito apetitosa (dica, não vá ao cinema com fome), utilizando recursos visuais simples e geniais pra ilustrar cheiro e sabor pra gente que só tem o visual e auditivo. Mas não é novidade nenhuma, alguém me explica porque todo filme sobre comida é tão legal.

E como é sobre Paris, esse talvez seja o filme mais sexy de animação por computação que eu já tenha visto, afinal comida é sexy. Sério mesmo, altas insinuações, o que torna tudo muito divertido. Nada que vá traumatizar criancinhas, mas está lá.

A Pixar aprendeu que o que faz um bom filme não são só personagens engraçadinhos (esse é talvez o filme menos engraçado deles) ou uma espetacular técnica de animação (pra filmes de verdade, efeitos especiais), mas sim um bom roteiro. E isso Ratatouile tem de sobra. Se distanciando do método mais tradicional, em que os conflitos inicais vão se resolver só no último ato, o filme tem vários conflitos que vão se resolvendo ao longo da história, ao mesmo tempo em que vai criando outros. A introdução é curtissima e você é jogado na história bem rápido. Esse é um dos diferentes.

Os personagens são carismáticos e não há nenhum vilão óbvio. É ultra-realista, a única coisa mais improvável é que um rato seja tão antropomórfico, mas é uma pequena suspensão de descrédito.

É claro que tem aquelas lições de moral, amizade e família são as coisas mais importantes do mundo e tals, mas só as críticas nem tão sutis aos EUA já compensam. E tem até música francesa na trilha.

Fora os leves toques de feminismo, coisa que a Disney nem sempre consegue retratar.

Bem legal.

O despertar de uma paixão

2007-07-08T10:45:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Título Original: The Painted Veil
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 125 minutos
Site Oficial: www.thepaintedveilmovie.com
Direção: John Curran

Sinopse: Um casal se casa pelos motivos errados, indo morar em Xangai logo em seguida. Lá ela o trai e, para se vingar, ele aceita um emprego numa vila remota na China. Com Edward Norton, Naomi Watts e Liev Schreiber.

Eu sei. Com esse título não dá nem para esperar nada do filme. Mas, para começar qualquer tipo de argumento, vou frisar um único fato: O título original é The Painted Veil. Nhó! Mania de brasileiro de estragar o que não devia. Hunf...
bom, o título original também não tem nada a ver com o filme, mas isso é um detalhe apenas.

Independente de títulos, a verdade é que o filme é, no mínimo, fascinante. Mais que um romance, é um tratado sobre a fragilidade humana. O objetivo dele não é mostrar como os protagonistas foram feitos um para o outro, mas justamente o contrário: o amor não precisa que a gente dê certo; a gente é que precisa que o amor dê certo entre nós. Tudo isso dentro de um cenário doído, numa vila isolada na China. Foco da raiva, uma epidemia fatal, onde o doutor Fane leva sua esposa britânica e mimada Kitty, após descobrir sua infidelidade. E, acredite, não é tão vingativo quanto parece.

Na verdade, os Fane são o casal mais adorável por quantidade de defeitos já registrado na minha memória.

Dois Trailers

2007-07-02T18:56:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Anota na agenda, porque esses dois prometem:

Saneamento Básico, o filme.

Paris, Je t'aime.

a menina que roubava livros

2007-07-01T20:32:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Autor: Markus Zusak
Editora: Intrínseca
Título original: The Book Thief
Tradução: Vera Ribeiro

É comum ter dois pés atrás quando se trata de best-sellers, principalmente depois de Código Da Vinci (se você gostou dificilmente vamos nos entender), mas esse vale a pena.
Quase um conto infantil, só a premissa da narradora ser a Morte já é divertida. Afinal, quem é mais gentil, engraçada e imparcial que a Morte? Engana-se quem pensar que o livro é sobre a segunda guerra, ele se passa na guerra, a guerra é importante, mas a verdade é que é tudo uma grande homenagem a qualquer um que acredite que livros podem ser a coisa mais bela e importante da vida.
Esteticamente ele já vale a pena, misturando narrativa tradicional com pequenos, o que, poemas? Conselhos? Provérbios? E ainda encontrando espaço para ilustrações e levando aos extremos de ter um livro dentro de um livro. Fantasia metalinguistica completa.
Acima de tudo o livro apresenta grandes personagens. A protagonista é interessante, inteligente e acima de tudo, alguém que poderia muito bem ser real. Sua família é totalmente adorável e nem me deixe começar a falar sobre os dois homens da sua vida.
Max, um judeu se escondendo é a epitome do sofrimento mas dificilmente você sente pena dele, ele é muito forte pra isso.
E Rudy Steiner, o galante, valente, muitas vezes idiota Rudy, quem poderia recusar um beijo dele? O exemplo da perfeição ariana. Ele também odeia Hitler. Ele ensina que também é possível haver infância e ser feliz até na Alemanha durante a guerra. Que um alemão ariano pode admirar (e imitar) Jesse Owens. É, eu estou meio apaixonada por ele. Você também vai ficar.
É claro que é tudo muito triste. Nas minhas anotações (já fizeram isso? altamente recomendável) eu chorei pela primeira vez na página 37 e porque? Porque alguém morreu? Não, porque eu achei alguma coisa bonita. Chorei de novo na página 189 e finalmente na 226 meu coração se partiu. Mas de um jeito bom.
Inclusive, é um bom livro pra masoquista, já que a Morte, omnisciente conta antes as coisas que vão acontecer. Ou seja, você sofre por antecipação.
O livro não é perfeito, é comercial pra caramba, mas ousa ser diferente quando podia ser só mais um. Deixe-se tocar, faz bem para a alma.

Icky Thump

2007-07-01T14:44:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Você já deve ter visto esses caras em algum lugar. Uma banda formada por apenas dois integrantes (seriam irmãos, namorados, amigos...?) e que possuem algum tipo de preferência visual exagerada pelo preto, branco e vermelho. Além disso, provavelmente você acha eles muito chatos, apesar de já ter sido acometido pelo riff insistente de baixo em Seven Nation Army. A menos que você seja metido a indie e tenha simplesmente se apaixonado por seus videoclipes exagerados e surreais.

A verdade é que nada disso poderia te preparar para o que viria: Icky Thump, o novo CD do The White Stripes traz influências até então inexistentes em seu trabalho, apelo para o virtuosismo musical de Jack White e fios de cabelo ruivo na baterista de estimação Meg White.

1) Icky Thump
White Americans: / What, nothin' better to do? / Why don't you kick yourself out? / You're an immigrant too.

Esse é o primeiro CD do duo intitulado com o nome de alguma de suas músicas. Icky Thump (uma alusão à expressão de surpresa britânica “ecky thump!”), abre o álbum de forma aparentemente normal, com a típica batida monocórdia de bateria. Entretanto, a guitarra de Jack já traz toques mais sujos e instáveis e a inclusão de sintetizadores estridentes e ágeis fizeram a crítica atribuir a essa nova sonoridade a influência de bandas como Led Zeppelin. Além disso, letra e clip, que nos apresentam um protagonista ianque, imigrante no México, já predizem o que esse CD nos reserva: uma White Stripes dialogando com a música latina! (ver clip)

2) You Don't Know What Love Is (You Just Do As You're Told)
You dont know what love is, / you do as you're told / Just as a child of ten might act / but you're far too old

Com vocação pra hit, essa música de estrutura simples chega a distoar do restante do álbum. Tem seu quê de country e é bem o que se poderia esperar da banda. Mas, apesar de ser uma das minhas favoritas, não acrescenta muito ao CD de forma geral.

3) 300 M.P.H Torrential Outpoor Blues
Will I still have these / 3 Hundred Miles per Hour / Finger Breakings / No Answers / Broken Back / Dirty Cancer / Bee Stung / and Busted Up / Empty Cup / Torrential Outpour Blues

E de repente, um som limpo na guitarra, uma batida leve - quase bossa - e sonoridade que cairia muito bem numa trilha sonora de The Sims. É claro que isso não se mantém por muito tempo. White tem extremo gosto pelo contraste em seus blues. Leve, linda, intensa e doída por vezes, mas simplesmente genial.

4) Conquest
And then in the strange way things happen / The roles were reversed from that day / The hunted became the huntress / The hunter became the prey

A música cover do álbum, de autoria de Corky Robbins, pode parecer bizarra à primeira vista, mas, na minha opinião, é a que melhor resume todo o CD. Em perfeito estilo toreador, Jack White apresenta uma estupenda técnica vocal. Além disso, o toque mariachi de um trompete nos mostra como é sutil o conceito minimalista da banda.

5) Bone Broke
Oh well / I'm broke boke

6) Prickly Thorn, But Sweetly Worn
Singing / Li De Li De Li Oh Oh / Well A Li De Li De Li Oh Oh

Aqui, temos a presença de uma gaita de fole. Definitivamente, essa não é a White Stripes que conhecíamos, é? Sinta-se viajando longos percursos sobre seu alazão, nos vales do velho oeste. Deliciosa.

7) St Andrew (This Battle is in the air)
This battle is in the air / I'm looking upwards / Who is here to greet me?

Continuação psicodélica da última música, "narrada" por Meg White. Uma voz que você juraria pertencer a uma criança.

8) Little Cream Soda
Well every highway that I go down / Seems to be longer than the last one I knew about / Oh Well

9) Rag & Bone
Yeahhh! / A c'mon, c'mon, c'mon, c'mon and give it to me! / Rag and bone, rag and bone / A c'mon, c'mon, c'mon, c'mon and give it to me!

Mais um blues, super engraçado: Os próprios Jack e Meg conversam pela música. Eles teriam chegado em uma antiga mansão e parecem se divertir com o que encontram por lá.

10) I'm Slowly Turning Into You
I'm slowly turning into you / But you don't know this / To be true

11) A Martyr For My Love For You
I could stay awhile / but sooner or later I'll break your smile / And I can tell a joke / but one of these days I'm bound to choke / And we might start to kiss / but I feel like a can't go through with this / And I bet we could build a home / but I know the right thing for me to do / Is to leave you alone

Ótima letra.

12) Catch Hell Blues
If you're looking for hot water / Don't be shocked when you get / Burned a little bit

13) Effect And Cause
Well you can't take the effect / And make it the cause / I didn't rob a bank / Cos you made up the law / Blame me for robbing Peter / Don't you blame Paul! / You can't take the effect / And make it the cause

A música chega a ser dançante e animada. Típica de final de CD, se não fosse White Stripes. O ouvido até estranha, mas logo se acostuma e você pensa: "Afinal, por que não?"

Afinal, Icky Thump é memorável.

Last.fm (The Social Music Revolution)

2007-06-28T11:45:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

A Last.fm é, sem dúvidas, o meu maior achado cibernético. Trata-se de uma comunidade de relacionamentos (semelhante em alguns aspectos ao orkut), porém com uma característica singular: a principal função da last.fm é divulgar o que está acontecendo no universo da música. Para isso, os perfis de cada usuário são baseados naquilo que eles vêm “escutando” e, mais importante, a comunidade conta com diversos meios para que qualquer pessoa possa ouvir música via internet. Um baita trabalho que alia a vontade do intenauta de escutar música com o interesse das grandes (e pequenas) gravadoras de vender e aparecer. As vantagens para o usuário são inúmeras: você pode conhecer pessoas com gostos musicais semelhantes, receber sugestões de bandas que combinam com o seu estilo, se informar sobre os shows que estão para acontecer pela cidade e poder compartilhar o seu próprio perfil musical. Se esse grande universo parece interessante para você, segue um tutorial de como entrar nele e se deliciar com tudo o que a rádio virtual pode oferecer. d--b

Tutorial Last.fm

1º Passo: Crie uma conta.
Acesse http://www.last.fm e clique em create your own account.

Será aberta uma página em que você será solicitado a fornecer os seguintes dados: nome de usuário desejado, email, senha e confirmação. Além disso, é preciso aceitar os termos e condições de utilização do serviço. Quando sua conta for criada, será solicitado que você faça download de um programa (muito útil para quem tem hábito de escutar músicas no computador com windows media player, winamp ou outro) Não há necessidade de instalar esse programa agora, mas é aconselhável. Você pode instalá-lo depois ou até nem chegar a usá-lo. Voltarei nele depois.

2º Passo: Crie seu perfil básico.
Qualquer das opções que você tenha selecionado na última etapa (instalar ou não o programa Last.fm), você será levado ao seu perfil "básico". Funciona exatamente como no orkut. Do lado esquerdo da tela, clique em edit my details e complete seu perfil com nome, foto, descrição, etc, etc, etc...
(Só por curiosidade, o fuso horário de Brasília é GMT -3)

3º Passo: Crie seu perfil musical.
Esse passo é mais demorado. O seu perfil musical é, na verdade, um histórico do que você tem escutado. Por tanto, até que você tenha efetivamente um perfil pode ter passado uma semana ou mais. Existem basicamente duas formas de criar seu perfil musical. Você pode escolher uma ou outra, ou usá-las concomitantemente.

a) A primeira forma é pelo programa que já foi citado algumas vezes. Baixe ele se você não o tiver feito ainda (na barra vermelha superior da last.fm tem uma aba download). Esse programa, enquanto aberto, baixa o nome da banda e música que está tocando no player do seu computador. Apenas lembre-se de fechá-lo ao sair do computador para não correr o risco de seu irmão chegar e colocar Soweto pra tocar. Não queremos que as pessoas pensem que você escuta Soweto, não é mesmo? De qualquer forma, mesmo se o pior acontecer, pelo próprio programa é possível excluir esse registro infeliz do seu perfil.
(Nem tudo é perfeito: o programa não ouve a música e adivinha seu nome ou quem a está tocando. Ele apenas lê a propriedade do arquivo. Por tanto, se você estiver ouvindo "Atirei o Pau no Gato", mas a propriedade nome do arquivo for "Marcha Soldado", o last.fm acredita que você está ouvindo "Marcha Soldado". Tome cuidado com isso.)

b) A segunda forma é escutando música pela própria rádio last.fm. Uma forma de fazer isso é criando uma playlist pra você. No canto superior direito da página existe uma barra de busca de músicas. Procure artistas que você goste e adicione suas músicas preferidas na sua playlist. Tenha em vista que apenas as músicas com a imagem de play, normalmente azul, estão no servidor. As outras não serão executadas, por não estarem disponíveis no site, ou, como eles chamam, são non-streamable. Qualquer pessoa pode ouvir sua playlist. Ouça ela algumas vezes para ir criando seu perfil musical.

(Nem tudo é perfeito: Você não pode ouvir a música que quiser, na hora que quiser, na rádio por uma razão simples: essas músicas são protegidas por direitos autorais. Elas estão lá por motivos comerciais. Se você clicar em uma música específica para ouvir, tocará apenas um "sample" de 30 segundos. Para ouvi-la do início ao fim, é preciso pôr toda a playlist para tocar - as músicas são reproduzidas em ordem aleatória - e contar com a sorte. Há excessões: as músicas com botão play dourado. São as faixas completas que podem ser executadas quando lhe aprouver.)

Há outras formas de escutar música online. Ouvir a playlist de outro usuário, buscar rádios de estilos, de artistas... Basta procurar um pouco que você acha.

4º Passo: Vizinhos Calculados.
Quando o seu perfil contiver um número razoável de informação, seus vizinhos serão calculados. Vizinhos são outros usuários da comunidade com gosto musical semelhante ao seu. A partir de então será criada uma rádio dos seus vizinhos. Uma rádio que toca as principais músicas da sua vizinhança. Além disso, no seu dashboard (canto superior direito), haverá recomendações de bandas semelhantes às que você escuta, recomendações de shows e faixas completas especialmente selecionadas para o seu gosto. Nesse momento, o seu perfil musical atingiu a maturidade e você pode desfrutar de tudo o que a last.fm tem a oferecer. As funções são inúmeras e qualquer um se sente perdido ante tantas possibilidades. Basta ter espírito investigativo. Existem grupos que são como comunidades do orkut - fóruns de discussão -, existem espaços para críticas de bandas e shows e existem formas de compartilhar seu perfil em seu blog. Eu poderia continuar enumerando as vantagens dessa comunidade-rádio ainda por um bom tempo. Mas acho que por hora chega. A única coisa que eu posso te garantir é que, depois da last.fm, seus ouvidos nunca mais serão os mesmos.

Boa sorte aos curiosos e keep listening.

.Já é possível acessar o site em Português: http://www.lastfm.com.br/
.Perguntas Freqüentes (FAQ): http://www.lastfm.com.br/help/faq

A Saga de Emmanuel

2007-06-26T20:19:00.000-07:00

de Renata, para o na Vitrine

No meu primeiro post-recomendação, escreverei sobre obras consideradas não exatamente "normais". De acordo com a crença espírita, livros podem ser concebidos por escritores sem eles estarem, ahm... vivos (em um conceito muito pequeno de vida e morte, mas isso não vem ao caso). Pois bem, o espírito Emmanuel é um deles.

Na verdade, ele pode ser considerado o mais importante autor da literatura espírita do Brasil. Em seu trabalho, principalmente através do médium Chico Xavier, somam-se mais de cem obras. Todas carregam lições e esclarecimentos quanto à doutrina e enriqueceram muito os estudos kardecistas. Cinco desses livros porém, destacam-se dos demais.

Paulo e Estevão, Há Dois Mil Anos, Cinquenta Anos Depois, Ave Cristo e Renúncia são os grandes romances históricos do Espiritismo. Emmanuel narra em uma escrita rebuscada e difícil mas de grande vivacidade e beleza, as vidas de personagens reais em épocas especiais da humanidade: o império romano e o surgimento do cristianismo, a descoberta das Américas e a Revolução Francesa. E se você quiser acreditar, cada descrição, gesto e fala realmente aconteceram. Não sei bem como funciona lá em cima, mas acho que houve uma espécie de cinema, onde Emmanuel pôde assistir as "gravações" espirituais e depois passá-las para o papel. O que na verdade deve ter sido muito difícil, pois vidas dele próprio se incluem nas narrações.

Os livros te envolvem em ambientes sofridos e te fazem participar das situações emocionantes das personagens. Situações que podem parecer à primeira vista, meramente literárias, mas que se considerarmos como destinos dos homens se cruzam e que nada, absolutamente nada, nos acontece por acaso, tudo é completamente real.

Emmanuel não escreve esperando uma boa crítica da Folha de São Paulo ou um convite para a Academia Brasileira de Letras. O que ele deseja é que através de sua saga, analisemos nossos próprios atos e decisões e como eles influeciam o restante de nossas existências. Os livros também, obviamente, possuem alto cunho cristão, mas não condenam aos faltosos da religião, o eterno fogo do inferno. Ao contrário, procura provar que as oportunidades de evolução e o perdão aos espíritos são eternos. Pode até ser difícil se redimir, mas nunca impossível.

Por fim, prepare uma caixa de lenços (ou no meu caso, um sorine), porque você vai chorar até! Não espere finais felizes, porque essas histórias são terrenas, e como todo bom espírita sabe:

A Felicidade não é deste mundo.

Battlestar Galactica

2007-06-24T12:31:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

site oficial: http://www.scifi.com/battlestar/index.php

produtores: Ronald D. Moore e David Eick

Elenco: Edward James Olmos, Mary McDonnell, Jamie Bamber, Katee Sackhoff, James Callis ,Tricia Helfer, Grace Park,Michael Hogan e Aaron Douglas.

O que acontece quando você junta West Wing, com Star Trek, com Blade Runner, com Top Gun, com A Odisséia, com Karl Marx e filosofia? Battlestar Galactica acontece. Com roteiros quase sempre impecáveis e um dos melhores elencos de todos os tempos (pense V. Mars segunda temporada) BSG não é uma ficção cientifica igual as outras.

Apesar do aspecto futurista, a história se passa no passado, no máximo no presente, quando a humanidade, depois de ser quase toda eliminada, tenta chegar à Terra, um refúgio à muito prometido. É uma mentira é claro, um conto usado para lubridiar o povo que a sobrevivência é possível. Uma mentira que talvez tenha um fundo de verdade, afinal. Ah, e eu já contei sobre os robôs humanoides assasinos que no fim das contas só querem aprender a amar. Não se preocupe, não é simples assim, nada em Battlestar é simples.

Baseado na sociedade americana e na mitologia greco-romana, a série se propõe a mostrar o lado mais feio do homem, e daquilo que o homem cria, o que acontece quando não existe mais nada a perder, como é possível criar vínculos numa época em que qualquer pessoa tem um grande risco de morrer o tempo todo. E todos sofrem esse risco, todos mesmo (sabe o quanto te frustra você ter certeza que eles nunca vão matar o Jack em Lost? Nessa série essa preocupação não existe).

Cada cena, cada frase tem camadas e mais camadas de simbolismos e níveis a serem desvendados. E não adianta procurar por detalhes, está tudo ali, estampado, esfregado na sua cara, só resta saber se você é capaz de ler ou prefere fechar os olhos. É tudo muito cerebral e ao mesmo tempo emocional, além de te fazer pensar te envolve na história de maneira que cada soco na cara que alguém recebe é sentido por você também. É sobre a guerra e sobrE sanidade e como você faz pra sobreviver quando sabe que nunca mais vai voltar pra casa.

Não existe lugar pra maniquéismos, todos são, na melhor das interpretações, anti-heróis. Chega a ser mais real do que a própria vida. E mais doloroso. O show se desdobra em várias histórias paralelas, todas com a mesma importância, todas com apenas uma coisa em comum, uma nave de batalha que estava prestes a ser aposentada.

Fora as inovações, super elogiado por seu realismo, as naves não fazem barulho quando no espaço, o som não se propaga no vácuo, mas isso não me importa. Nunca houve uma ficção científica mais girl power, melhor piloto-guereira-bêbada, mulher, presidente, mulher, cylon mais foda, mulher, melhor alucinação, mulher. E nada de feminismos, mulheres fortes precisam de homens fortes ao seu lado, não atrás. Não existe redenção para elas, é tudo tão difícil quanto.

E eu nem comecei a falar sobre o trabalho de câmera e da trilha sonora. Perfeição, essa é a palavra.

E ela nunca foi tão pessimista (otimista) e cinza (colorida). Genial.

Observação importante: além de tudo isso, todo o elenco é lindo. Até mesmo quando não é.

Heroes

2007-06-22T22:54:00.001-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Terminei de assistir Heroes, o seriado com a trama em que eu mais apontei defeitos em toda a minha vida. E, no entanto, recomendo porque o resultado final é muito bom.

Heroes tem como protagonistas pessoas até então “normais” por todo o globo, que, porém, descobrem em si certas habilidades. Alguém já viu X-Men? É exatamente aquilo. A mesma combinação “evolução da humanidade” e “mutações genéticas” e “seleção natural”. Entre os poderes desenvolvidos estão: voar, viajar no tempo, ler mentes, etc etc etc. Muito batido, não? Cientificismo barato? Verdade.

Mas Heroes é singular por suas personagens. Todas muito bem construídas, todas cativantes e reais de alguma forma. O emaranhado de relações formado capítulo após capítulo é delicioso. Tudo bem, tem mais um clichè entoando o todo: “o destino os liga”. Mas enfim, nada é perfeito.

A verdade é que esse seriado me fez engolir um bocado do meu orgulho, porque apesar de toda a crítica que eu fazia a ele – e, amigo, é muito fácil criticá-lo –, eu não podia negar que, capítulo após capítulo, eu me sentia mais impelido a continuar assistindo. Os roteiros são excelentes. O fluxo do texto é encantador.

E o final não deixa a desejar.

Eu ainda mantenho dúvidas quanto a segunda temporada. Pra mim, é impossível que ela seja tão cativante como a primeira e, no momento que a série cair no lugar-comum, vai ficar chato. Mas permita-se acompanhar a primeira temporada. Não há porquê se arrepender.

Gênero: Drama, Ação
Criado por: Tim Kring
Tempo de Duração: 42 minutos p/ episódio, aproximadamente
Lista de Episódios:
01 "Genesis" (Gênese)
02 "Don't Look Back" (Não Olhe Para Trás)
03 "One Giant Leap" (Um Grande Salto)
04 "Collision" (Colisão)
05 "Hiros" (Hiros)
06 "Better Halves" (Caras Metades)
07 "Nothing to hide" (Nada a Esconder)
08 "Seven minutes to midnight" (Sete Minutos Para Meia-Noite)
09 "Homecoming" (Indo para o lar)
10 "Six Months Ago" (Seis Meses Atrás)
11 "Fallout" (Inimizade*)
12 "Godsend" (Benção Divina)
13 "The Fix" (O Conserto, A Dose)
14 "Distractions" (Distrações)
15 "Run!" (Fuja!)
16 "Unexpected" (Inesperado)
17 "Company Man" (O Homem da Companhia)
18 "Parasite" (Parasita)
19 "0.07 Percent" (0.07 %)
20 "Five Years Gone" (Cinco Anos no Futuro)
21 "The Hard Part" (A Parte Difícil)
22 "Landslide" (Vitória Esmagadora Na Eleição)
23 "How to Stop a Exploding Man" (Como parar um homem que explode)

SITES PARA DOWNLOAD NA BARRA LATERAL

Zodíaco

2007-06-18T17:04:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Título Original: Zodiac
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 158 minutos
Site Oficial: www.zodiacoofilme.com.br
Direção: David Fincher

Sinopse: Um assassino que provoca através de cartas e enigmas coloca a população de San Francisco em pânico. Dirigido por David Fincher (Seven) e com Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., Chloë Sevigny, Brian Cox e Dermot Mulroney no elenco.

Antes de começar a escrever sobre o filme, fiz questão de procurar na internet a opinião de outras pessoas que também o viram, porque, eu mesmo, não consigo formar um parecer terminativo. O que eu li explica muita coisa. Existem basicamente dois tipos de crítica: uma extremamente positiva e outra extremamente negativa. Devido ao mesmo motivo: o filme “murcha” do meio para o fim. Seguem exemplos, retirados do site Adoro Cinema:

"A morte é algo inevitável e qualquer filme do David Fincher é bom. Estas são as únicas duas certezas da vida." (Helena Carvalho)

"O roteiro tinha tudo para ser bom, mas no decorrer do filme se torna cansativo e confuso". (Gílson Weyne)

A conclusão que eu tirei é que existe muito maniqueísmo para eu simplesmente chegar aqui e dizer: o filme é ruim. O filme é bom.

Zodíaco é o terceiro filme sobre o serial killer que aterrorizou San Francisco, enviando cartas de teor mórbido a serem publicadas na grande mídia e ameaçando causar maiores tragédias, não fosse atendido. Esse mesmo assassino não foi encontrado até hoje. O filme é baseado na versão de Robert Graysmith (interpretado por Jake Gyllenhaal), um tímido cartunista que se sente responsável por descobrir quem é o homem por trás do codinome “Zodiac”.

A violência de que Zodiac se vale para matar é o principal responsável pelo clima de suspense durante a primeira metade do filme. Porém, o tempo passa e nenhuma evidência é encontrada para apontar suspeito algum. É quando o filme se transfigura em um baita drama policial. A falta de provas concretas, a insistência de Graysmith ao se intrometer no trabalho investigativo, o medo que não abandona nunca a vida de cada personagem da cidade...

O que os admiradores chamam de “genialidade” é a forma como Fincher usa recursos estilísticos para não deixar o suspense inicial morrer: a trilha sonora é fantástica, a fotografia majestosa te faz perder o fôlego e a metalinguagem te transporta para fora das telas até a realidade. Um ponto alto do filme é quando Graysmith sai de uma sala de cinema, onde assistia a um filme baseado na saga do serial killer. Daí você pensa: “Certo, o assassino está vivo e esse homem está assistindo ao mesmo filme que eu, agora” (...) “Ele vai morrer?” (...)

Quem é o assassino? Não sabemos até hoje. Assim, o filme acaba e não há conclusão. Não poderia haver. Não havia provas. O que não impede a existência de teorias e várias delas são profundamente exploradas no desenrolar da trama. O filme te faz pensar até onde a existência de provas é necessária para se ter certeza de algo e até onde a intuição humana é falha. Será que o trabalho dos investigadores profissionais foi tão longe quanto o de Graysmith? Aliás, e se o suspeito do cartunista for o verdadeiro assassino? Questões que não podem ser respondidas e talvez tenham frustrado quem esperava um filme mais “tradicional”. Questões interessantes que em certos pontos levam a questionar a própria realidade.

Ainda assim, o filme é longo e eu saí do cinema ligeiramente desapontado. Ainda não sei dizer se foi bom ou ruim. Apenas que vale à pena. Talvez eu não tenha me identificado com o estilo – não sou o maior amante de suspenses, quanto mais policiais. Talvez.

Friday Nigth Lights

2007-06-17T20:08:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Com Kyle Chandler e Conni Britton

Finalmente chega ao Brasil a muito bem falada série norte-americana sobre... futebol americano. Calma volta aqui, não é o que você está pensando. Não é preciso entender as regras do jogo ou pra que diabos um quaterback serve. A história é sim sobre futebol, mas poderia muito bem ser sobre uma sociedade pesqueira ou agrícola.
A proposta do seriado é mostrar o que acontece quando uma cidade se orienta ao redor de apenas um evento, nesse caso a temporada de futebol colegial.
O primeiro episódio trata do técnico Eric Taylor, que acabou de ser promovido pra head coach, na cidadezinha de Dillon, mais texana impossível, para treinar os Panthers, que vão começar a temporada sexta-feira. Diferente da forma clássica do conto de esporte, time/jogador/animal loser e desacreditado treina e se supera tanto que se torna o melhor, os Panthers não tem nenhum problema de reputação. Eles já são os melhores, dois de seus jogadores já são estrelas e tem o futuro garantido em universidades e até em times profissionais. O problema é corresponder a expectativa, continuar no topo. E aí acontece o jogo, não tão fácil quanto fora esperado. O ataque corresponde, mas a defesa apanha. Tudo parece que vai desandar, o que só piora quando a estrelinha do time, Jason Street, bom filho, bom aluno, bom amigo, excelente jogador, se acidenta.
Cabe ao quaterback reserva, que nunca tinha feito uma jogada importante, dar vida nova ao time e levá-los, quem sabe, à vitória. Em uma palavra, intenso.
Esse é basicamente o roteiro, mas se engana quem achar que é essa a questão. O clima de pessimismo e sufocamento é reforçado pela câmera nervosa e o tom cinza. Desde do primeiro lance (hehe) tem-se a impressão de uma tragédia iminente e sabe o que mais, pode ser muito bem isso que vá acontecer. Assuntos como racismo, religiosidade e a incapacidade de fugir do sistema são abordados. Dillon é uma panela de pressão prestes a estourar. Uma série diferente, com certeza
Reserve suas sexta-feiras, você pode se surpreender.

Não Por Acaso

2007-06-15T17:29:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

- - - EM CARTAZ, ASSISTA! - - -

Título Original: Não por Acaso
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 90 min.
Direção: Philippe Barcinski
Site: http://www.naoporacaso.com.br/base.html

Sinopse: Um acidente de carro muda a vida de dois homens que gostam de levar a vida de forma programada. Com Rodrigo Santoro, Leonardo Medeiros, Cássia Kiss, Letícia Sabatella e Graziella Moretto.

"2 segundos podem mudar sua vida..."

Esse é um daqueles que você sai e tem orgulho do cinema brasileiro. É daqueles que você pára e pensa como existem grandes atores e grandes escritores nessa terra.

O filme tinha tudo pra ser complicado e confuso, porque as histórias construídas são bastante desconexas. Porém, o roteiro dá o perfeito sentido da coisa e, por um momento, você tem a perfeita impressão de que tudo é linearmente plausível. O filme tem seu tempo, suas jogadas. Ele respira, e volta.

Basicamente, é a história de dois homens. Ênio, que vê a vida com os olhos de um operador de tráfego; que trabalha observado a cidade de cima, bem de cima, e chega a comparar o comportamento humano ao de moléculas. Em suas palavras, o trânsito é um perfeito sistema descrito pela dinâmica dos fuidos, as rodovias fucionam como encanamentos por onde passa água. E pedro, um construtor de mesas de sinuca e também um exímio jogador. Prever as coisas, antecipar o terreno, manter tudo bem programado. São esses nossos protagonistas, que acabam sendo ligados por um único evento. Uma tragédia que poderia ter sido evitada por muito pouco, se fosse possível prevê-la. Como se fosse possível prever alguma coisa!

Destaque também para a trilha sonora, digamos, pouco convencional.

Resultado da Enquete

2007-06-14T19:36:00.000-07:00

Resultado

Ficam os que tem 0 ou -1 pontos.
Foram 18 vencedores, e acima temos 19 quadros.
Por faltarem representantes da linguagem Teatro, duas máscaras foram arbitrariamente incluídas. ;]

Inesquecível

2007-06-07T14:41:00.000-07:00

- - - de Rafael, para o na Vitrine.

Título Original: Inesquecível

Gênero: Drama
Tempo de Duração: 90 minutos
Direção: Paulo Sérgio de Almeida

Sinopse: Um famoso ator vive o melhor momento de sua vida, tanto pessoal quanto profissional. Porém pouco antes de morrer ele descobre que sua esposa teve um caso rápido com seu melhor amigo. Com Murilo Benício, Caco Ciocler e Guilhermina Guinle.

Você pensa que a história é uma, você pense de novo, porque está enganado. E, na verdade, ninguém perde muito não se dando ao trabalho.

O filme é uma pequena crônica (pequena mesmo: uma hora e meia de filme) sobre um relacionamento com quê de triangulo amoroso, porém mal resolvido. É um pouco sobre os joguetes malvados da vida, um tanto sobre ciúme e desconfiança, e tudo de uma forma bem simplória.

Uma história singela, com roteiro singelo, interpretado por atores que poderiam ter sido menos singelos. É a singelesa desse filme que não me permite ir adiante. Basta.

Premonições

2007-06-07T13:53:00.000-07:00

- - - de Tereza, para o na Vitrine.

Título Original: Premonition

Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 110 minutos
Site Oficial: www.sonypictures.com/movies/premonition
Direção: Mennan Yapo

Sinopse: Uma dona de casa é avisada que seu marido morreu em um acidente de carro. Porém no dia seguinte ela acorda e tudo está normal em sua vida, assim como seu marido está vivo. Com Sandra Bullock.

Filme de suspense com elemento sobrenatural em que você questiona a sanidade da protagonista. Já viu essa história antes? Eu também.

Premonições é daqueles filmes que tenta ser bom por ser confuso e acaba sendo só confuso. O que no ínicio seria um suspense (sem susto nenhum) lá pela metade do filme se torna um romance açucarado sobre a possibilidade de segundas chances.

A história é a seguinte Linda, mãe de duas filhas, com um casamento de não sei quantos anos que está começando a ficar chato, descobre que seu marido morreu de um acidente de carro no dia anterior. Até aí tudo bem, é delicioso ver Sandra Bullock no papel de mãe, e alguns ângulos de câmera te fazem até acreditar que algo emocionante vai acontecer.

Teoricamente acontece, afinal Linda acorda no outro dia somente pra descobrir que o marido tá vivinho da silva. E aí o "mistério" começa. Você vai ver Linda acordar pelo menos mais sete vezes, cada dia numa ordem diferente e vai tentar montar com ela o nada sutil quebra-cabeça que cerca a morte do moço.

Quer dizer, demora pelo menos umas quatro acordadas pra ela pensar na ideia de um calendário e quando ela vai em um padre pedir orientação você já quer jogar as mãos pro alto em frustração.

A história é meio burra, mas pra ser justa eu até acho que a Sandra está bem. Quando Linda se pergunta se talvez a morte fosse destinada a ocorrer e que ela não devia fazer nada sobre, o filme parece que vai mostrar alguma inovação.

Você "descobre" que o amor sempre salva, não importando as circunstâncias e que talvez o destino seja possivel de ser tapeado.

Enfim, no clímax do filme eu ouvi mais que um grito de "Seu idiota" no cinema e juro que não fui eu falando comigo mesma.

Se você não tiver absolutamente mais nada pra fazer assista, e depois venha me dizer o que achou.

das Boas Vindas e dos Motivos

2007-06-07T13:44:00.000-07:00

Bem vindo ao na Vitrine.
Dá-me enorme prazer inaugurar este blogue e pô-lo no ar.

Este é um espaço interativo dedicado à crítica do que há de atual, ou às vezes não tão atual, mas fundamental de alguma forma; no universo cultural em que vivemos. O objetivo dos posts será principalmente o de informar, avaliar, sugerir e debater obras como filmes, CDs, videoclipes, livros e outras manifestações não menos importantes de Arte.

Para tanto, contamos com um grupo de autores que, apesar de estarem longe do academicismo inerente à Crítica Especializada, não são por isso menos apaixonados e eloqüentes. Esperamos humildemente construir um ambiente em que, de alguma forma, o leitor se encontre em suas opiniões e tendências e que, juntos, possamos estar, sempre, aprendendo sobre o nome daqueles que vão à frente.

- - - Rafael, para o na Vitrine.